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Mauné i els seus Dinàmics

2012-03-12T23:19:00.009+01:00

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Mauné i els seus Dinàmics

Grupo fundado en Figueres (Girona) el 1965.
Los componentes iniciales eran todos unos excelentes músicos: Florenci Mauné piano-teclado, director y arreglista, Joan Puig cantante, saxo alto, guitarra y tenora, Eduard Pomés saxo-tenor, y el batería era Toni Gadea (tenía 15 años y ya era un crack) sus solos eran únicos, tocaba además de las baquetas, con las manos, los puños, los pies, los zapatos ... lo nunca visto.

Al bajo eléctrico encontramos Josep Joli y Blanch, autor de estas sinceras líneas.
La gran vista comercial que tuvo Florenci Mauné, le condujo a ser pionero en llevar dos teclados y de incorporar la tenora a la música bailable, creando arreglos de copla-fusión.

Josep Joli i Blanch

Discografia

Mauné y sus Dinamik´s ( 1965)

Cara 1: Malditos Celos
Por que?
Cara 2 : Por fin
Página en Blanco

Mauné y sus Dinamik´s ( 1965)

Cara 1: Hola Juventud
Gloria
Cara 2 : La Camioneta (yenka)
Cadaqués

Mauné i els seus Dinàmics TENORA 66 (1966)

Cara 1: Pel teu amor (Riba)
L'emigrant (A. Vives-Mn.Verdaguer)

Cara 2: Per tu ploro (Pep Ventura)
La Santa Espina (Enric Morera)

Mauné i els seus Dinàmics TENORA 66-II (1967)

Cara 1: Evocació al Pirineu (M. Valls)
Dansa brava (E. Mauné)

Cara 2: Cançó de traginers (L. Jordà)
Muntanyes del Canigó (Tradicional)

Vazquez Sounds

2012-03-09T19:38:00.000+01:00

Vazquez Sounds

Ángela (n. 17 de enero, 2001), Gustavo (n. 15 de mayo, 1998) y Abelardo (n. 23 de diciembre, 1995), son originarios de Mexicali, Baja California. Desde temprana edad crecieron en el ámbito musical, son hijos del productor musical Abelardo Vázquez, quien ha trabajado con grupos como Reik, Nikki Clan y Camila. Su madre también es cantante.
Abelardo y Gustavo desde muy temprana edad han tocado instrumentos, en tanto Ángela a la edad de 7 años empezó a cantar sin recibir ninguna clase de estudios, lo cual explica que a veces, respire de manera incorrecta forzando la voz para alcanzar las notas agudas, entre otras cosas.

Vázquez Sounds utilizan frecuentemente el estudio de su padre en donde editan su música, y está conformado por:
Angie Vázquez: Vocales
Gustavo Vázquez: Batería
Abelardo Vázquez: piano, guitarra, bajo eléctrico
Desde tres años atrás Gustavo y Abelardo ensayaban en el estudio de su padre y sacaban varias canciones, posteriormente invitaron a Ángela y decidieron interpretar «Rolling in the Deep» de Adele, un tema que ella ya se sabía pues lo cantaba sola, su padre al escucharlos le gustó tanto que decidieron grabarla. Abelardo decidió grabar un video, junto con su padre que le ayudó para algunas tomas, lo editó, y en una semana lo subió a YouTube y hasta la fecha ha tenido más de 50 millones de visitas.
El tema fue escogido por tres razones principales, la primera por ser uno de los éxitos del momento, también porque en la canción se utilizan instrumentos que ellos dominan y la voz era adecuada para que Ángela sobresaliera, y por último por ser un tema en inglés, ya que es un idioma que se habla en muchas partes del mundo, lo que facilita su globalización. Han mencionado que el tema lo grabaron por diversión, como un pasatiempo, sin esperar el impacto obtenido.

El video fue subido a YouTube por Abelardo el 11 de noviembre, y recibió más de catorce millones de visitas en apenas un mes a nivel mundial, convirtiéndose en una sensación en Internet en pocas horas, y obteniendo gran cantidad de suscriptores en su canal. De igual manera, fueron lo más comentado en distintas redes sociales como Facebook y en Twitter, en dónde se convirtieron en trending topic en México.
Fue tanto el recibimiento que ganaron tiempo en el aire en programas y noticieros en la televisión de varios países a pocos días de lanzar el video como en Telecinco (España), la BBC (Reino Unido), Milenio (México), en el programa Good Morning America de la ABC (Estados Unidos).Asimismo han concedido entrevistas en la CNN, al programa Primer impacto de Univisión y en diversos programas locales en Mexicali, y nacionales como Sabadazo por Omar Chaparro y Las noticias por Adela por Adela Micha de Televisa, Hechos AM por Jorge Zarza y Ventaneando en TV Azteca.

Una de las primeras personalidades de la música en llamarlos fue Tommy Mottola, así como otros sellos internacionales europeos, aunque ellos optaron por continuar con sus estudios.
El video ha sido parodiado por muchos en YouTube, entre la que se encuentra la de un grupo de marionetas denominados Látex Sounds, creados por Eric Weber y Armando Camacho, en un video que utiliza las mismas tomas y paleta de colores que el video original, en la que tres perros tocan instrumentos y cantan su versión titulada Rolling In The Poop, que cuenta la historia de cómo un perro se comió unos frijoles y le cayeron pesados.

Tras haber obtenido el primer millón de visitas con su video, el presidente de Sony Music México Roberto López viajó hasta la ciudad de Mexicali para platicar con el padre de los niños y firmar inmediatamente, y aunque no conocía el proyecto, al padre ya lo conocían debido a su presencia en la disquera por los grupos a las cuáles ha lanzado, y le fue más fácil contactarlos.
El día 7 de diciembre se dió a conocer que firmaron un contrato con Sony Music únicamente de distribución, y existiendo la posibilidad de lanzar un álbum completo, por ahora el sello discográfico se encargaría de lanzar el tema grabado para ser vendido a través de diversas páginas de descargas, y un nuevo tema cada tres semanas, y así su padre seguiría manejando su carrera, debido a que quiere que sigan con sus vidas normales y haciendo música de la manera que la han hecho hasta ahora.

Tras la firma con Sony, volvieron a grabar una nueva versión de su cover de Adele para ser vendido en diversas tiendas de descargas en México, Latinoamérica, España, Canadá y Estados Unidos el 13 de diciembre, bajo la disquera Sony Music Entertainment México, alcanzando rápidamente la primera posición en iTunes México, seguido del tema con su intérprete original, aunque Rubén Corral, asistente del productor Abelardo Vázquez, mencionó que esa versión era pirata ya que había sido bajando el audio del video y sin autorización, aunque por las diversas páginas de Sony Music mencionaban se trataba de un lanzamiento oficial. El video fue lanzado comercialmente el 20 de diciembre.
El 13 de diciembre subieron un video navideño cover de la canción «All I Want For Christmas Is You», que hiciera famoso Mariah Carey en su álbum navideño de 1994 Merry Christmas, colocándose rápidamente en las listas de popularidad en Estados Unidos y Europa, alcanzando en pocos días más de 6 millones de visitas. El video grabado fue en un fin de semana y editado los dos días posteriores. En twitter se colocó rápidamente en trending topic a pocas horas de haber anunciado el lanzamiento del video. El tema fue grabado en San Diego, California y producido por Abelardo Vázquez y Jeff McCullough, y el video por Vazquez Sounds y Sense Media. Tanto el video como la canción fueron lanzados comercialmente el 20 de diciembre por iTunes.

El 23 de diciembre lanzaron su primer álbum homónimo, el cual consiste en un EP que contiene en sus dos temas grabados hasta el momento, así como un remix y una versión instrumental de su primer sencillo. Cuenta con la producción de además de su padre de Jeff McCullough y Joe Marlett.
Su tercer video fue lanzado el 17 de enero de 2012 con el tema «Forget You», original del estadounidense Cee Lo Green, a diferencia de sus videos anteriores presenta una mayor producción; en él se muestra al grupo grabando en el estudio y a Angie andando en bicicleta junto a sus hermanos que van en patineta sobre un boulevard junto a la playa, además visitando un parque de diversiones. Al igual que sus temas anteriores, se colocó rápidamente en el trending topic en Twitter, y alcanzó el millón de visitas en tan sólo un día. El tema fue producido por Abelardo Vázquez y Luis Artega, y lanzado comercialmente el 24 de enero, en tanto el video por Vázquez Sounds y Sense Media, lanzado el 7 de febrero

El 20 de diciembre YouTube publicó una lista de lo más visto en el año en México, en la cual ocupó la decima posición, la lista estuvo liderada por el bloggero Werevertumorro El periódico La Crónica los nombró como el personaje del año.
La última semana de diciembre debutaron en el chart Billboard Social 50 en la posición número 17, siendo el segundo debut más alto en la historia del chart, sólo detrás de Rebecca Black que alcanzó la posición 9 en su semana debut. El ranking es determinado por la actividad de los sitios YouTube, Vevo, Facebook, Twitter, MySpace y iLike.

Se han generado diversas controversias en torno a Sony Music México y Vázquez Sounds, en la que el video fue planeado como una estrategia para lanzarlos al mercado y que con anterioridad ya tenían un contrato firmado, por lo que al tener el catálogo musical de la cantante Adele permitirían la difusión del video en YouTube sin violar los derechos de autor, aunque el presidente de la discográfica desmintió el hecho. Asimismo, mucho se ha especulado sobre la voz de Ángela, que se ha mencionado ha sido editada y remasterizada para el video.

Discografia

EP

2011: Vázquez Sounds

Sencillos

2011: Rolling In The Deep (descarga digital)
2011: All I Want for Christmas Is You (descarga digital)
2012: Forget You (descarga digital)

John Mayer

2012-03-01T22:38:00.000+01:00

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John Mayer

John Clayton Mayer, nacido el 16 de octubre de 1977, es un músico, compositor y productor discográfico estadounidense. Se crio en Fairfield, Connecticut y cursó sus estudios en el Berklee College of Music de Boston antes de mudarse a Atlanta, Georgia, en 1997, donde refinó sus conocimientos musicales y comenzó a conseguir atención mediática y cierto seguimiento. Sus dos primeros álbumes de estudio, Room for Squares y Heavier Things, tuvieron bastante éxito comercial, ambos consiguiendo ser certificados multiplatino. En 2003, ganó un premio Grammy en la categoría de mejor interpretación vocal pop masculina por la canción "Your Body Is a Wonderland".

Comenzó su carrera tocando rock acústico, acercándose poco a poco hacia el género del blues, llegando a colaborar en 2005 con artistas como B. B. King, Buddy Guy y Eric Clapton y formando el John Mayer Trio. La influencia del blues es patente en su álbum Continuum, lanzado en septiembre de 2006. Ganó el premio Grammy en la categoría de mejor álbum vocal pop por Continuum y mejor interpretación vocal pop masculina por "Waiting on the World to Change" en la gala número 49 de los premios Grammy de 2007. Battle Studies, su cuarto disco de estudio, salió al mercado en noviembre de 2009. La carrera de Mayer se ha extendido hasta abarcar stand-up comedy, diseño gráfico y escribir; ha escrito columnas para algunas revistas, entre ellas Esquire. También se dedica a actividades filantrópicas a través de su propia fundación, "Back to You". Además, desde 2006, debido a una serie de relaciones personales ha aparecido con cierta asiduidad en las revistas de la prensa rosa.

Mayer nació el 16 de octubre de 1977 en Bridgeport, Connecticut. Sus padres son Margaret, profesora de inglés, y Richard, director de una escuela secundaria. Creció en Fairfield, Connecticut, siendo el segundo de tres hermanos. Mayer es judío por la parte de su padre y ha llegado a decir que se "identifica con el Judaísmo". Criándose en Fairfield, Mayer se hizo amigo del tenista profesional James Blake. Asistió a la escuela de secundaria allí, a pesar de estar también matriculado en el Center for Global Studies de Brien McMahon High School de Norwalk, donde estudiaba japonés. En una entrevista concedida al programa Late Night with Conan O'Brien, Mayer dijo que tocó el clarinete un tiempo, con pocos progresos. Después de ver la interpretación de guitarra de Michael J. Fox como Marty McFly en Back to the Future, Mayer se fascinó por el instrumento y cuando cumplió trece años, su padre le consiguió una.

Poco después, un vecino le regaló un casete con música de Stevie Ray Vaughan, lo que comenzó el intenso gusto de Mayer por la música blues. Mayer comenzó a recibir clases de manos del dueño de una tienda de guitarras de la zona, y rápidamente se obsesionó con el instrumento. Su obsesión preocupó a sus padres, por lo cual le llevaron en dos ocasiones a un psiquiatra. Mayer ha dicho que las constantes discusiones entre sus padres le llevaron a "desaparecer y crear un mundo propio en el que creer".

Después de dos años practicando, comenzó a tocar en bares de blues y otras salas de concierto de la zona, compaginándolo con sus estudios de secundaria. Además de tocar en solitario, tocaba con una banda llamada Villanova Junction (por una canción de Jimi Hendrix) junto a Tim Procaccini, Joe Beleznay y Rich Wolf. Mayer llegó a considerar abandonar los estudios para dedicarse en pleno a la música, pero la desaprobación de sus padres finalmente le disuadió.
A los diecisiete años, sufrió una arritmia cardiaca, por la cual estuvo una semana hospitalizado. Meditando sobre el incidente, Mayer dijo: "Ese fue el momento en el que el compositor que llevaba dentro nació en mí", y escribió sus primeras letras la misma noche en que salió del hospital. Poco después de este incidente, comenzó a sufrir ataques de pánico, y vivió con el temor de terminar ingresado en una institución mental. Sigue sufriendo de ansiedad y lo combate con Xanax, un medicamento antiansiedad.Después de su graduación, trabajó quince meses en una gasolinera hasta reunir suficiente dinero para comprarse una Stratocaster Stevie Ray Vaughan de 1996.

John Mayer se matriculó en la Berklee College of Music de Boston, Massachusetts, a los diecinueve años de edad. No obstante, la insistencia de su amigo de estudios oriundo de Atlanta, Georgia, Clay Cook, lo llevó a abandonar el colegio después de dos semestres para instalarse en Atlanta junto a Cook. Allí formaron un dúo llamado LoFi Masters y comenzaron a tocar en cafeterías de la zona y en salas de conciertos como Eddie's Attic. Según Cook, comenzaron a tener diferencias musicales debido al deseo de Mayer de acercarse más a la música pop. Como resultado, se separaron, y Mayer comenzó su carrera en solitario.
Con la ayuda del productor e ingeniero local Glenn Matullo, Mayer grabó un EP independiente titulado Inside Wants Out. Muchas de las canciones del EP fueron compuestas junto a Cook, incluyendo el primer sencillo de Mayer, "No Such Thing". EL EP consta de ocho canciones con Mayer aportando guitarras y la voz principal. Sin embargo, Mayer sólo cantó en la canción "Comfortable". Para la primera pista del disco, "Back To You", contrataron una banda completa, incluyendo al coproductor del EP, David "DeLa" LaBruyere, como bajista. Después de la grabación, Mayer y LaBruyere tocaron juntos por la zona de Georgia y los estados cercanos.

La reputación de Mayer comenzó a crecer y gracias a su aparición en el festival South by Southwest consiguió que Aware Records se fijasen en él. Después de incluirle en los conciertos del Aware Festival e incluir sus canciones en las posteriores álbumes recopilatorios del sello, a comienzos de 2001, lanzaron su álbum debut exclusivamente por internet, Room for Squares. En esa misma época, Aware consiguió un contrato con Columbia Records que daba a esta última la opción de firmar contrato con artistas de la compañía, por lo cual, en septiembre de ese mismo año, Columbia remezcló y reeditó el disco. Para este debut en una compañía internaciones cambiaron la portada y añadieron la canción "3x5". La reedición también incluye las cuatro canciones de su lanzamiento independiente Inside Wants Out, regrabadas y remasterizadas.

Para finales de 2002, varias canciones de Room for Squares se habían convertido en éxitos radiofónicos, incluyendo "No Such Thing," "Your Body Is a Wonderland" y en última estancia "Why Georgia". En 2003 ganó un premio Grammy en la categoría de mejor actuación pop vocal masculina por "Your Body Is a Wonderland". En el momento de la recepción del mismo dijo: "Esto ha ido muy, muy rápido, y prometo ponerme al día". También comentó de forma figurada que tenía dieciséis años, cosa que llevó a muchos a pensar que realmente era la edad que tenía en ese momento.

En 2003, lanzó un CD/DVD de un concierto de Birmingham, Alabama, titulado Any Given Thursday. El álbum contiene canciones inéditas como "Man on the Side" (coescrita con Cook) "Something's Missing", que después apareció en Heavier Things y "Covered In Rain". Según aparece en el documental del DVD, esta última canción es la "segunda parte" de "City Love", que contiene la frase "covered in rain". El álbum llegó al puesto número diecisiete de la lista del Billboard 200. EL CD/DVD recibió elogios cautelosos, aunque consistentes, con los críticos sumidos entre su imagen de ídolo pop, y su (en aquél momento) creciente destreza tocando la guitarra. Erik Crawford (de Allmusic) se preguntó "¿Es el consumado guitarrista que toca una versión de la canción 'Lenny' de Stevie Ray Vaughan, o es el ídolo adolescente por el que chillan las niñas pubescentes después de interpretar 'Your Body Is a Wonderland?

En 2003 lanzó su segundo álbum de estudio Heavier Things, que recibió reseñas generalmente positivas. Rolling Stone, Allmusic y Blender tuvieron reacciones positivas, aunque reservadas. PopMatters dijo que "no se le pueden poner muchas pegas, como pensaría uno en un principio". A nivel comercial, el álbum fue un éxito y aunque no vendió tan bien como su predecesor Room for Squares, llegó al primer puesto del Billboard 200. Además, Mayer consiguió su primer número uno en la lista de sencillos con la canción "Daughters", además de recibir un Grammy en 2005 en la categoría de canción del año, superando a artistas como Alicia Keys o Kanye West. Le dedicó el premio a su abuela, Annie Hoffman, fallecida en mayo de 2004. También ganó mejor actuación pop vocal masculina, superando a Elvis Costello, Prince o Seal. En una entrevista del 9 de febrero de 2009 en el programa televisivo The Ellen DeGeneres Show, Mayer llegó a reconocer que no se merecía haber ganado el premio a canción del año, ya que la canción de Alicia Keys, "If I Ain't Got You" era mejor. Debido a esto, se repartió el premio con ella, dándole la parte de arriba del Grammy y quedándose él la parte de abajo. En la edición número 37 del Salón de la Fama de los Compositores celebrada en 2006, se le concedió el Premio Hal David Starlight.

Mayer grabó siete de sus conciertos de la gira estadounidense de 2004, de donde después se lanzaron las grabaciones completas exclusivamente a través de la tienda de iTunes con el título de as/is, refiriéndose a que los errores se incluyen conjuntamente con los buenos momentos. Unos meses después, se compiló un CD de "lo mejor" con el mismo título. El álbum incluye una versión inédita del tema de Marvin Gaye "Inner City Blues (Make Me Wanna Holler)". Todas las portadas de los lanzamientos de as/is incluyen dibujos de conejitos antropomórficos.
A medida que se iba haciendo más conocido, su talento comenzó a ser demandado en otras áreas. Steve Jobs le invitó a actuar en enero de 2004 en la reunión anual Macworld Conference & Expo, mientras Jobs presentaba la nueva aplicación de Apple Inc., GarageBand, convirtiéndose desde entonces en un habitual de esas reuniones. También acompañó a Jobs con un concierto en el Macworld 2007, después de la presentación del teléfono iPhone. Mayer también ha promocionado al BlackBerry Curve y el anuncio en que Volkswagen regalaba guitarras al presentar el New Beetle.

Durante este tiempo, Mayer comenzó a cambiar en sus intereses musicales. En 2005 hizo varias colaboraciones con varios artistas del blues incluyendo, Buddy Guy, B.B King, Eric Clapton y el artista del jazz, John Scofield. También hizo una gira con el legendario pianista de jazz, Herbie Hancock, lo que incluyó un concierto en el Bonnaroo Music Festival en Manchester Tennessee.
Con el tiempo, Mayer ha obtenido una reputación de cantante y compositor sensible y meticuloso. También ha estado acompañado por un guitarrista infuenciado por los gustos de Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Eric Clapton, Buddy Guy, Freddie King y B.B King. Mayer ha trabajado con muy importantes artistas del blues, incluyendo a Clapton (Back Home, Crossroads Guitar Festival), Guy (Bring 'Em In), Scofield (That's What I Say) y King (80).
El 2008, junto a Fall Out Boy, lanzaron el cover de Beat It canción de Michael Jackson, el rey del pop, también incluyeron esta cancion al estilo "Rythms del Mundo" en el album Rythms del Mundo: Classics. Esta canción está disponible el el dvd de Fall Out Boy Live In Phoenix. Mayer también grabo la canción When it Rains con Paramore para su disco Riot!.

En la primavera de 2005, Mayer formó John Mayer Trio junto al bajista Pino Palladino y el batería Steve Jordan, a quienes conocía de haber trabajado en sesiones de estudio. El trío se dedicó a tocar una combinación de música blues y rock. En octubre de ese mismo año, el trío teloneó a The Rolling Stones durante su gira de clubes,33 y en noviembre, lanzaron un álbum en directo llamado Try!, para después tomar un descanso hasta mediados de 2006. En septiembre de 2006, Mayer anunció planes para trabajar en un nuevo disco de estudio en solitario.

El tercer álbum de John Mayer titulado Continuum fue lanzado el 9 de septiembre de 2006 en Australia, En Filipinas el 11 de septiembre, el 12 de septiembre en EUA y el 16 de octubre (cumpleaños de John) en el Reino Unido. El disco fue producido por él mismo, con la ayuda del baterista de John Mayer Trio, Steve Jordan. Mayer describe el álbum como una combinación de la música pop y del sentimiento, el sonido y la sensibilidad de la música blues. Dos de las canciones que conforman TRY!, repiten en este disco: la funky "Vultures" y la balada "Gravity". John ha dicho sobre su tercer álbum de estudio: En toda trílogia, el tercer álbum es el que lo cambia todo.
El primer sencillo de Continuum es Waiting on the world to change, hizo su estreno en un programa de radio llamado The Ron and Fez Show y se puede escuchar en su página web .El sencillo fue el tercero más descargado de la semana en la iTunes Store el 11 de julio de 2006, debutó como el #25 en la lista Billboard Hot 100 Chart. El 23 de agosto de 2006, Mayer estrenó el álbum entero en la radio de Los Ángeles estación Star 98.7, dando un comentario a cada canción. El 22 de septiembre de 2006, John hizo una aparición en CSI tocando en vivo las versiones de Waiting on the world to change y otra canción del álbum Continuum Slow dancing in a burning room.

Últimamente la canción Waiting on the world to change es la música de las promociones de la serie de drama de de la cadena americana ABC Cinco Hermanos, cuyas protagonistas son Sally Field y Calista Flockhart.
En los Grammy de 2007, John Mayer estuvo nominado a 5 categorías, de las que ganó dos: Mejor canción Pop masculina y Mejor álbum Pop
En la premiación Grammy 2008, John Mayer fue nominado a mejor cantante pop con su sencillo SAY (soundtrack de la película The Bucket List) y gano su única nominación del 2008 (dvs)

El 24 de enero de 2009 John Mayer anuncia que entra al estudio para grabar su cuarto disco de estudio, Battle Studies. A su vez inicia un proceso de seguimiento del desarrollo del mismo mediante la creación de un blog, donde poco a poco va colgando letras y videos con información sobre el nuevo disco, y mediante la creación de una cuenta de twitter que John usará activamente, llegando a ser uno de los más seguidos del mundo.
En lo relativo a la música, John Mayer afirma que para su próximo disco dejará de lado todo lo anteriormente visto en su anterior trabajo, Continuum, y pasará a buscar un nuevo estilo. También explica que el álbum llevará el título de "Battle Studies" porque será una especie de libro de ayuda basado en un poco de experiencia y un poco de advertencia.
El 6 de octubre se lanza de manera oficial el primer single del disco, "Who Says", y, posteriormente, mediante una innovadora técnica de "augmented reality" se lanza el segundo sencillo, "Heartbreak Warfare". Posteriormente el supuesto tercer single del disco, "Half of my Heart", en el que goza de la colaboración de Taylor Swift, se lanza a través de la página de Pérez Hilton.

El disco tiene un total de 11 temas, y una duración total de 45 minutos. La versión digital de iTunes cuenta con un bonus track exclusivo consistente de una versión de I'm On Fire de Bruce Springsteen.
A Battle Studies le siguió un tour mundial, con un accidentado paso por Europa en el cual, debido a una indisposición alimenticia el compositor se vió obligado a cancelar una parte importante de sus conciertos. Aun asi, Battle Studies ha tenido una gran repercursión mundial que ha llevado la gira a paises como Japón, Holanda, Inglaterra, Portugal y eminentemente Estados Unidos.

Tras terminar el Battle Studies World Tour, Mayer expresa su deseo de alejarse de la vida pública. Durante este tiempo graba una canción a dúo con el veterano Tony Bennett y trabaja en su próximo album, que tendrá una gran influencia folk, principalmente inspirada por Bob Dylan y Neil Young. A mediados de 2011 presenta algunas canciones en conciertos en pequeños locales, revela que el disco llevará por título 'Born and Raised' y da como fecha aproximada del lanzamiento Octubre de 2011. El mismo Mayer ha revelado recientemente que sufre de un granuloma en las cuerdas vocales lo cual postpondrá el proceso de grabación del disco y significará que este será lanzado durante 2012.

Discografia
Àlbumes

Room for Squares - 2001
Heavier Things - 2004
Continuum - 2006
Battle Studies - 2009
Where the Light is (Live in L.A.) - 2008

Grillo Bailó

2012-02-22T17:41:00.000+01:00

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Grillo Bailó

Jorge Beltrán, nacido en Zaragoza a principios de los '80. Comienza su andadura musical en el año 2001, primero homónimamente como Jorge Beltrán, mostrando unas composiciones un tanto intimistas, inocentes y biográficas, encuadradas en un estilo pop juvenil. Con ellas consigue colocarse en emisoras locales como 40 Principales Zaragoza, despunta y se hace con el primer premio en varios concursos cuya importancia empieza a ser de carácter nacional. Transcurridos varios años (2001-2006) de exploración personal y tras varios discos y maquetas, entre ellos destacar el EP titulado Jorge Beltrán, producido por el conocido productor Pablo Pinilla, Jorge apuesta por el cambio, con ello forma la banda El Muro de Berlín.

Ya en 2006, con el proyecto El Muro de Berlín, los registros empiezan a tomar un matiz más pop-rock, con una instrumentación más contundente; con ello empieza a coger carisma y a estar en boca de profesionales. Empieza así un amplio recorrido por la geografía española con el disco "Diferente?" Entre lo más destacable, nombrar la gira Jack Daniel's, en la que El Muro de Berlín telonea ante miles de personas, al archiconocido grupo rock La Fuga, en el emblemático Palacio de los Deportes de Madrid y el Palau Sant Jordi de Barcelona, oportunidad que no desaprovecha la banda para colocarse entre las promesas del mundo pop-rock español. Apadrinados por la FNAC, llevan su disco a todos los rincones del país y siguen cosechando premios de ámbito local y nacional, se cuelan en festivales importantes como Luna Lunera, compartiendo cartel con Volador o Pereza. En 2008, empieza a dar forma a nuevos temas con el productor madrileño Iker Arranz,en formato maqueta-demo.

Ya en 2009, se meten en el estudio de la mano del productor Alberto Moliner (bajista y creador del legendario grupo de los 80-90,Distrito 14).Con ello, empieza la gesta de su segundo disco como banda, proyecto que tras su grabación no llega a ver la luz; es el punto y seguido de Jorge a una etapa, que a pesar de recoger importantes éxitos, no termina de expresar la forma en la que el compositor quiere orientar su carrera. Tras una decisión difícil,en el verano de 2010,Jorge se traslada a Madrid, ya como Grillo Bailó,en busca de influencias,experiencias e ingredientes que en su ciudad natal no encuentra. Con tan sólo una maleta y un puñado de nuevas canciones, se instala en Madrid, rodeándose de profesionales y músicos de primer nivel. Con ello, se mete en el estudio de nuevo de la mano del productor Iker Arranz, quien capta desde el primer momento el sentido que Jorge quiere plasmar.

Su música empieza a coger un estilo más definido e identificativo, más allegado al carácter del artista, un estilo pop-psicodelia, fresco, con una mezcla de ironía y picardía. Con toda la ilusión que un buen proyecto conlleva, presentan el nuevo proyecto formato LP titulado Menta y Chocolate, de la mano de Sanma Gil,(co-productor y manager); cargados de optimismo, esperan cosechar muchos éxitos, hacerse hueco en este tan difícil mundo de la música y consolidar una trayectoria forjada y guiada desde el punto de vista más fiel a la forma de entender la música de Grillo Bailó.

Lucio Dalla

2012-02-22T00:25:00.006+01:00

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Lucio Dalla

Lucio Dalla, nacido en Bolonia el 4 de marzo de 1943 - Montreux (Suiza) el 1 de Marzo 2012 era un cantautor italiano cuya carrera se prolonga ya durante más de cuarenta años. Excepcional clarinetista y dotado teclista, es emblemático su desinterés por la guitarra, desinterés que lo convierte en un ejemplar extraño comparado con el cantautor clásico.

Su carrera comienza siendo muy joven, como clarinetista en un grupo de jazz romano del que forman parte, también, Fabrizio Zampa y Massimo Catalano. Es descubierto por Gino Paoli, que lo convence para iniciar su carrera como solista. Su debut resulta polémico, y en múltiples ocasiones le lanzan objetos al escenario debido a sus propuestas audaces para la época y a su look transgresivo. En cualquier caso, la provocación forma parte del estilo de Dalla. Su primer álbum, titulado 1999 alterna piezas de carácter extravagante y escaso valor musical con pequeñas joyas, como Tutto il male del mondo, la canción más elaborada musicalmente de este trabajo. Posteriormente, como otros divos de la época, aguará el vino de su producción artística para sobrevivir musicalmente. A pesar de ello, crea piezas de gran calado musical como Lucio dove vai e Il cielo. Abrirá posteriormente una nueva década con el álbum Terre di Gaibola, que contiene varias piezas destacadas (Il fiume e la città, Orfeo bianco, Non sono matto y África). Cerrará esta su primera etapa con un álbum de escaso valor, 4 marzo de 1943, con evidentes cesiones comerciales (de este disco sale la canción del mismo nombre del disco 4 marzo de 1943 (que grabó en español, bajo el título "Un Niño llamado Jesús").

Acontece entonces una benéfica ruptura en la trayectoria de Dalla, al asociarse al poeta boloñés Roberto Roversi, iniciando una colaboración que durará cuatro años y tres álbumes. El controvertido disco Automobili resultará un éxito de ventas. De este álbum Roversi se distancia parcialmente, firmándolo con el seudónimo Norisso. Frustrado por una colaboración artística, con Roversi, que entra en crisis inmediatamente después de dar lugar a sus más elevados frutos, Dalla decide convertirse en el único referente de su música, y desde entonces será el compositor, letrista, arreglista y principal músico en todas sus obras, a la vez que se rodea de un núcleo de músicos boloñeses que confluirá en parte en la creación de los Stadio de los excelentes guitarristas Jimmy Villotti y Ricky Portera. Esta etapa se caracteriza por la fuerte necesidad de Dalla de contar y contarse. Se puede resumir esta época del autor con la canciones Anna e Marco, Futura y Caruso (esta última hecha años después, y fuertemente conocida, en España, a través de Luciano Pavarotti).

El estilo poético de Dalla como letrista es, en varios aspectos, antitético al de los cantautores convencionales, sin pretensiones de erudición ni de formalismo, jugando a veces con alegría y a veces con inquietud con la lengua cotidiana.
La fascinación por el mar, que llegará a cumbres casi freudianas en la magnífica Nun parlà; el gusto por el cultivo de una afectividad aún adolescente (Stella di mare o Futura); los desconcertantes pasos de lo dramático a lo cómico son algunas de las características de sus letras, a la vez que sus músicas resultan cada vez más cantables y fascinantes.
Durante al menos diez años, Dalla pone de acuerdo a público y crítica como quizás tan solo Battiato había sido capaz de hacer. Varios cantautores de la generación posterior son explícitos deudores suyos (Carboni, Bersani, Grignani, Antonacci... colaboraciones con De Gregori, y ecos de Dalla en Rossi, Fornaciari y Ligabue).

Pasado el hito del medio siglo, Dalla entra en un crepúsculo dorado, abandona los histrionismos y acepta con sabiduría popular las consecuencias de la edad. En el último decenio, sus álbumes pierden su impacto sorprendente y original y se convierten en excelentes muestras de canción de autor. El Dalla actual es un artista aún vital que consigue no convertirse en un icono de sí mismo y a continuar proponiendo una música emocionante y plenamemente suya.
En 2004 participa en el disco colectivo "Neruda en el corazón" que celebra el centenario de Pablo Neruda.

Discografia

1999 (1966)
Geniale? (1969)
Terra di Gaibola (1970)
Storie di casa mia (1971)
Il giorno aveva cinque teste (1973)
Quel fenomeno di Lucio Dalla (1973)
L'álbum di... Lucio Dalla (1974)
Anidride solforosa (1975)
Automobili (1976)
4 marzo de 1943 (1976)
Come è profondo il mare (1977)
Live @ RTSI (1978)
Lucio Dalla (1979)
Banana Republic (1979) con Francesco De Gregori
Dalla (1980)
Torino, Milano e dintorni (1981)
Lucio Dalla (1981)
Gli anni Settanta (1981)
1983 (1983)
Viaggi organizzati (1984)
Bugie (1985)
The best of Lucio Dalla (1985)
DallameriCaruso (1986)
Dalla/Morandi (1988) con Gianni Morandi
In Europa (1988) con Gianni Morandi
Cambio (1990)
Il motore del 2000 (1990)
Il primo Lucio Dalla (1990)
Amen (1992)
Henna (1994)
Le origini (1996)
Canzoni (1996)
Ciao (1999)
Luna Matana (2001)
Caro amico ti scrivo (2002)
Tosca. Amore disperato (2003)
Lucio (2003)
12000 Lune (2006)
Il contrario di me (2007)
La neve con la Luna (2008)
Angoli nel cielo (2009)
Work in Progress (2010) con Francesco De Gregori
Questo è Amore (2011)

Bobby Brown

2012-02-11T10:22:00.003+01:00

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Bobby Brown

Bobby Brown fue una de las mayores estrellas del R&B a finales de los 80 y principios de los 90, popularizando el estilo musical New jack swing, estilo que acercó al gran público con su álbum Don't be cruel y convirtió en la tendencia dominante en el R&B de principios de los 90. Pero conforme los gustos en el R&B fueron cambiando, llegó a ser más conocido por su vida privada (su matrimonio con Whitney Houston y sus problemas con la justicia) que por su música.

Brown nació el 5 de febrero de 1969 en Boston y empezó a cantar con sus compañeros de escuela Michael Bivins y Ricky Bell en 1978, formando el grupo New Edition, del que Brown se separa en 1986 para iniciar su carrera en solitario. En 1987, publica su primer álbum en solitario, King of Stage, que, aunque logra un gran éxito con el single Girlfriend, todavía está lejos del éxito que tendría posteriormente.

Fue con su segundo álbum, Don't Be Cruel, con el que logró el éxito masivo, ingresando a las diez primeras posiciones, sobre todo gracias al sencillo "My Prerogative".
En 1992, contrae matrimonio con la diva del R&B Whitney Houston y sale a la luz su nuevo álbum, Bobby, con unas ventas muy por debajo de su anterior disco. En 1993, es arrestado tras un concierto, iniciando una larga trayectoria de problemas legales, con las drogas y maritales que la prensa sensacionalista se encargó de airear.

En 1997, publica su cuarto álbum, Forever, un fracaso comercial no entrando siquiera en el Top 50. Entretanto, continúan sus problemas legales. En 2001, su quinto álbum no llega a ver la luz debido a enfermedad de Brown. En 2002, Brown vuelve a estar de actualidad debido a un dueto con Ja Rule y una nueva detención por posesión de marihuana.
En 2006 se divorcia de Whitney Houston, tras 14 años de matrimonio.

Spinetta

2012-02-09T00:56:00.000+01:00

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Spinetta

Luis Alberto Spinetta, (Buenos Aires, 23 de enero de 1950 - Buenos Aires, 8 de febrero de 2012 ) también conocido como El Flaco, fue un cantante, guitarrista, poeta y compositor argentino de rock, considerado como uno de los más importantes de su país. La gran complejidad de sus obras, tanto en lo instrumental, como en lo lírico y poético, le valió el reconocimiento en Latinoamérica y el resto del mundo.
En sus letras hay influencia de escritores, poetas, artistas y pensadores como Rimbaud, Vincent Van Gogh, Carl Gustav Jung, Sigmund Freud, Friedrich Nietzsche, Foucault, Deleuze, Carlos Castaneda y Artaud, del cual incluso lleva su nombre uno de sus discos.
Es considerado uno de los padres del rock argentino junto con Lito Nebbia, Javier Martínez, Moris, Pappo, y Tanguito entre otros.

El 21 de julio de 2009 fue galardonado con el Gardel de Oro por CAPIF (la cámara de productores fonográficos) por su disco Un mañana, también se llevó los galardones a Mejor Álbum Artista de Rock; Mejor Diseño de Portada; Mejor Video Clip; Canción del Año y Álbum del Año.
El 4 de diciembre de 2009 festejó sus 40 años de trayectoria ya que era un excelente artista del rock argentino con un recital de cinco horas y media en el que reunió a todas las bandas de su carrera.
El 23 de diciembre de 2011 publicó en la cuenta de Twitter de su hijo Dante una carta en la que manifestaba que estaba enfrentando un cáncer de pulmón. Finalmente, falleció el día 8 de febrero de 2012, víctima de dicha enfermedad.

Su carrera comenzó en su desarrollo embrionario, pero es con el grupo Almendra (formado en 1967), junto a Emilio del Guercio (bajo y voz), Edelmiro Molinari (guitarra líder y voz) y Rodolfo García (batería), (todos alumnos del Instituto San Román) que da el primer paso exitoso en su carrera. Tan exitoso fue, que junto a Manal y Los Gatos son considerados los fundadores del rock argentino.
En 1969, salió el primer disco de Almendra, que contiene temas como "Ana no duerme", "Plegaria para un niño dormido" y "Muchacha (ojos de papel)", convertidos en clásicos.
Tras un fallido proyecto de ópera rock, las disidencias en el grupo llevaron a la separación, no sin antes editar un álbum doble en 1970, que contiene temas muy conocidos como "Rutas argentinas" y "Los elefantes".

Spinetta intentó varios proyectos (entre ellos grabar un álbum solista llamado "Spinettalandia y sus amigos" que salió en 1971), hasta que dio forma a otro grupo trascendental en la música popular argentina, Pescado Rabioso, junto a Osvaldo "Bocón" Frascino en bajo (luego reemplazado por David Lebón), Black Amaya en batería y Carlos Cutaia en teclados.
El cuarteto dejó un disco de blues rock (Desatormentándonos, de 1972) y un álbum doble considerado uno de los mejores de la carrera de Spinetta (Pescado 2, de 1973).

El disco Artaud de 1973, si bien aparece como un álbum de Pescado Rabioso, es en realidad un disco de Spinetta solista, que grabó con algunos invitados, entre ellos su hermano Gustavo quien toco la batería, Emilio Del Guercio y Rodolfo García. Está inspirado en la poesía del escritor francés Antonin Artaud de quien Spinetta siempre se ha declarado fanático absoluto. Vale destacar que en la portada original del álbum figura una fotografía del escritor y que su diseño "irregular" (deja de lado el tradicional cuadrado) fue el primero de su tipo. Fue catalogado en varias oportunidades como el mejor disco del Rock Argentino

Para fines de 1973 Spinetta estrenó nueva banda, Invisible, junto a Carlos Alberto Machi Rufino en bajo y Héctor Pomo Lorenzo en batería. Con esta agrupación editaría tres discos hasta su disolución en 1976 dejando clásicos como "Azafata del Tren Fantasma", "El Anillo del Capitán Beto", "Durazno Sangrando", "Los libros de la buena memoria" y "Las golondrinas de Plaza de Mayo". La despedida del grupo fue en diciembre de 1976 con dos recitales a sala llena en el estadio Luna Park y contando con Tomás Gubitsch en guitarra como cuarto integrante de la formación.
En 1977 editaría un disco junto a varios músicos reunidos bajo el nombre de Banda Spinetta, A 18' del sol, en el que incursiona en el jazz-fusión. A ese álbum pertenecen "Canción para los días de la vida" y "Toda la vida tiene música hoy".
Con el apoyo del tenista Guillermo Vilas, hacia 1979 grabó en Estados Unidos, contando por ejemplo con compositores como Gino Vannelli y con músicos estadounidenses, su único álbum en inglés Only Love can sustain (Sólo el amor puede sostener). Incluye temas de otros autores y con carácter más comercial que el de los discos predecesores, este álbum no refleja el verdadero estilo de Spinetta, según sus propias palabras.

Ese año se realizaría la esperada reunión de Almendra. Junto a Emilio del Guercio, Edelmiro Molinari y Rodolfo García editaría un álbum en estudio, El Valle Interior, y un disco doble en vivo grabado en el Estadio Obras Sanitarias.
En 1980, en paralelo a la reunión de Almendra, forma Spinetta Jade junto a Diego Rapoport en teclados, Beto Satragni en bajo, Juan del Barrio en teclados y Héctor Pomo Lorenzo en batería. Con este grupo editaría cuatro álbumes en total, con varios cambios en la formación y el estilo, que iría desde un sonido netamente "jazzero" hacia otro más pop y (en su último trabajo) cuasi-galáctico, alternando con la edición de dos discos solistas: Kamikaze en 1982 (recopilación de temas inéditos y una de sus obras preferidas por sus fans) y Mondo di cromo en 1983.

Para 1985, estaba previsto un disco a dúo con Charly García, pero sólo llegaron a registrar el tema "Rezo por vos", incluido en "Privé" el siguiente álbum de Luis Alberto, que incluye también "No seas fanática", con León Gieco.
El proyecto que sí se concretó fue "La la la" (1986), una placa con Fito Páez que despertó gran expectativa. Cortes como Instan-Taneas, Folis Verghet, Todos esos Años de Gente, sobresalieron. También se encuentra una versión del tango Gricel. Esta placa destaca tanto por su composición, como por sus armonías.
Tras dos años de silencio, Spinetta salió con "Téster de violencia" (1988),
«El primer álbum relativamente conceptual en mucho tiempo. Diría que desde "Durazno sangrando" (el disco de Invisible de 1975) que no puedo conceptualizar varios temas y ponerlos todos al servicio de una misma temática, si bien cada álbum pareciera tener su unidad interna... La unidad de "Téster..." es el sentido de qué somos. Nuestro mismo organismo, nuestro cuerpo, es nuestra única forma de delirar o de poner los pies en la tierra».

El álbum fue el mejor del año, según el Sí del diario Clarín, y el tema "El mono tremendo" ganó en su rubro.
Editó luego "Don Lucero" (1989), también seleccionado como Mejor Disco, al igual que el tema "Fina ropa blanca".
En 1990, llegó el primer disco en vivo solista: "Exactas", grabado en la Facultad de Ciencias Exactas y Naturales de la UBA. Conforamada la banda por L.A Spinetta, intregrando a talentos de "Javier Malosetti" "Marcelo Novati". Además de otros grandes iconos que ya venian trabajando con el autor (cardone-fontana-etc)
Luego de un período de pocas presentaciones, tocó en "Mi Buenos Aires Rock" festival organizado por la Municipalidad que convocó a 150.000 personas en la 9 de Julio, en diciembre de 1990, y presentó temas de "Piel de piel".
Por tercera vez en cuatro años, Spinetta compuso el Mejor Disco del Año, "Pelusón of milk" (1991) y la Mejor Canción, "Seguir viviendo sin tu amor". Este disco
«Llevó mucho tiempo, porque hice todo solo. Hay algunas intervenciones de músicos de mi banda, pero lo hice casi todo yo. "Pelusón" se parece a Spinetta de entrecasa... Hay canciones acústicas, las melodías son frescas, tiene una buena selección de material... Como para que sea entendido».

En 1994, compuso la banda de sonido de la película "Fuego Gris", dirigida por Pablo César, para luego dedicarse a Spinetta y los Socios del Desierto, un trío integrado además por Daniel "Tuerto" Wirtz (batería) y Marcelo Torres (bajo). Al frente de esta agrupación realizó una minigira nacional y tocó en el teatro Opera, en el Mejor Show del Año, según las encuestas. En marzo de 1996 saldó lo que él mismo calificó de «una vieja deuda con el público»: tocar gratis y al aire libre, en los bosques de Palermo.
Luego de varios años y peleas con las compañías discográficas, Spinetta editó un disco doble, titulado simplemente "Spinetta y los Socios del Desierto", con los temas que ya había presentado en vivo. Con una gráfica excepcional, este CD alcanzó rápidamente el tope de los charts. Con este grupo editaría dos álbumes más: San Cristoforo en 1998 (en vivo) y Los ojos en 1999. Con estos músicos y otros invitados grabó también el álbum Estrelicia (MTV Unplugged) en 1997 repasando temas de toda su carrera.

Silver Sorgo (2001) significa el regreso de Spinetta al estudio, después de años de silencio y varias recopilaciones. Contiene 12 temas que comenzó a componer en 1998 ("Cine de atrás"). Este material fue presentado en vivo, a fines de año, y registrado en vivo para el disco Argentina Sorgo Films Presenta: Spinetta Obras (2002).
Con Para los árboles (2003), Spinetta vuelve utilizar como recurso la preponderancia de los teclados y los pasajes instrumentales y, a su vez, coquetea con lo electrónico, para homenajear a las bellezas de la Naturaleza más allá de la mirada humana.
Camalotus, un EP de cuatro temas, fue presentado en un minirecital en la FM Rock & Pop (radio de Argentina). Está compuesto por tres creaciones inéditas ("Cristantemo" -de la película "Flores de septiembre"-, "Buenos Aires alma de piedra" y "Nelly, no me mientas") y un remix de "Agua de la miseria", primer corte del álbum de 2003 Para los árboles, a cargo de Rafael Aracaute. Inclusive, viene acompañado por un DVD con los videoclips "Correr frente a ti", "El enemigo" y "Tonta luz", dirigidos por Eduardo Martí.
En 2006, editó Pan, en el que resaltan especialmente los teclados, ejecutados por Claudio Cardone. La banda se completa con Nerina Nicotra en bajo y Sergio Verdinelli en batería.

En 2008, lanzó Un mañana. La placa fue grabada junto a su banda actual y contó con la participación de los guitarristas Sartén Asaresi, Baltasar Comotto y Nicolás Ibarburu.
El 23 de octubre de 2009 Spinetta apareció como invitado para el recital del regreso de Charly García, (Recital que posteriormente pasaría a llamarse "Subacuático", ya que estuvo lloviendo durante casi todo el recital). Spinetta tocó junto a García el legendario tema Rezo por vos, compuesto por ambos para el proyecto Spinetta/García.
El 4 de diciembre de 2009 cierra el decenio con Spinetta y las bandas eternas, un gigantesco recital en el estadio Vélez Sarsfield de la Ciudad de Buenos Aires con una duración de más de cinco horas, en el que repasó toda su carrera acompañado de cada una de las bandas que lideró, además de contar con invitados como Fito Páez, Charly García, Ricardo Mollo, Juanse y Gustavo Cerati. El 4 de diciembre de 2010, a exactamente un año del histórico concierto, sale a la venta la grabación del mismo, Spinetta y las Bandas Eternas, que incluye el concierto casi en su totalidad, tanto en audio como en DVD, más un libro de fotografías y un DVD con imágenes de los ensayos para el evento.

El 11 de diciembre de 2011 participa en el histórico concierto "El Abrazo" realizado en Santiago de Chile y que congregó a varios de los más importantes exponentes de la historia del rock chileno y argentino.
El 2 de febrero de 2011 se presenta en el Cosquín Rock con una nueva alineación en su banda, siendo reemplazada Nerina Nicotra por el bajista Maximiliano Moran. Esta formación había sido presentada anteriormente, pero en este recital se convirtió en definitiva.

Barón Rojo

2012-02-08T00:22:00.000+01:00

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Barón Rojo

Barón Rojo es un grupo español de hard rock y heavy metal, llamado así en homenaje al aviador alemán Manfred von Richthofen, conocido como Barón Rojo.
Barón Rojo nació de la unión de cuatro músicos: los hermanos Armando y Carlos de Castro, José Luis Campuzano, también conocido como "Sherpa", y Hermes Calabria.
Los hermanos Carlos y Armando de Castro permanecieron en el grupo Coz hasta 1980, momento en que las relaciones del grupo se deterioraron y el grupo se dividió en dos. Los hermanos de Castro, junto al cantante y bajista José Luis Campuzano y el baterista uruguayo Hermes Calabria, fundaron Barón Rojo, mientras que la otra mitad del grupo Coz continuó con su carrera publicando algunos discos más.

Una vez formado, el grupo debuta a comienzos de 1981 con el álbum Larga Vida al Rock'n Roll, publicado por la compañía Chapa/Zafiro. Lanzan como primer single el tema Con botas sucias, cuyas siglas aluden veladamente a CBS, la compañía discográfica que editaba los discos del anterior grupo de los hermanos De Castro. El disco está dedicado a la memoria de John Lennon, que había sido asesinado recientemente.
El álbum obtiene el disco de oro, lo que les proporciona actuaciones por toda España y comentarios en televisión, radio y prensa.
Gracias a los beneficios del primer LP, el grupo se traslada a Londres, donde graba su segundo trabajo titulado Volumen Brutal. Éste se graba en los estudios Kingsway de Ian Gillan, cantante de Deep Purple, en sólo dos semanas. De este disco existen dos versiones: Una grabada en castellano y otra en inglés con la compañía "Kamaflage", que adquirió los derechos del disco para su venta en Europa. Tanto la versión en castellano como la inglesa triunfan en Inglaterra y en otros lugares de Europa.

Volumen Brutal vendió más de dos millones de copias. Barón Rojo "bombardean" Inglaterra con temas como Los rockeros van al infierno, Incomunicación o Resistiré (Stand Up en inglés), con el que alcanzan el aplauso de parte de la prensa especializada y logran encabezar las portadas de algunas revistas especializadas como Kerrang! El 27 de agosto de 1982 Barón Rojo actúa junto a Iron Maiden, Gary Moore, Marillion, Twisted Sister y M.S.G. en el "Reading Festival 82". De Volumen Brutal merece mención especial el tema Concierto para ellos, dedicado a Bon Scott y otros músicos de rock fallecidos.
En 1983 se publica el tercer disco, titulado Metalmorfosis, grabado también en Londres. Aparecen en él temas como Casi me mato, El malo y Tierra de vándalos, así como el tema más sentimental de la banda: Siempre estás allí.
En 1984 sale a la venta un disco en directo titulado Barón al rojo vivo grabado con los más avanzados sistemas de la época, presentando cinco canciones nuevas entre sus hits más conocidos.
En 1985 presentan el disco En un lugar de la marcha con canciones tan conocidas como Hijos de Caín, en la que colabora José Barta a los teclados, y Cuerdas de acero.

El año 1986 sale a la venta el álbum en vivo Siempre Estáis Allí, en el cual deleitan a sus fans con los temas que lamentablemente no pudieron entrar en el álbum en vivo anterior, Barón Al Rojo Vivo, producido por la misma banda para Chapa Discos.
En 1987, nos entregan su trabajo Tierra de Nadie, producido por Joaquín Torres para Serdisco, el cual fue grabado en "Torres Sonido" de Torrelodones, Madrid, durante los meses de marzo, abril y mayo del mismo año. Con este álbum comienza un período de experimentación en el cuál Barón Rojo busca integrar su estilo compositivo con nuevos elementos. Destacan en este compacto los temas La voz de su amo, Sombras en la noche o la propia Tierra de Nadie, que goza de majestuosas orquestaciones.
En el año 1988, su álbum No Va Más, igualmente con la discográfica Serdisco, es un álbum enfocado en el tema de las apuestas y sus consecuencias, el mismo demuestra a un Barón Rojo que experimenta ampliamente con teclados, apreciable en los temas Cansado de esperar y Mil años luz, encontrándonos también con la experimentación de un curioso violín chino (además del banjo) en el extraño tema Celtas cortos.

Casi un año después llega su nuevo trabajo, Obstinato, nuevamente producido por Barón Rojo para Serdisco. El álbum fue grabado en los estudios Chamber durante marzo y abril de 1989. En él se deja de un poco de lado la línea experimental abierta en los dos anteriores, aunque sin abandonarse completamente. Contiene temas como Vampiros y banqueros, Tren fantasma o Pura sangre, así como una nueva versión más tranquila y relajada del tema Herencia letal, aparecido en Metalmorfosis.
A finales del mismo año, Jose Luis Campuzano y Hermes Calabria abandonan la formación, pero los hermanos De Castro deciden continuar con la banda y experimentan con varias formaciones, como la que llevó a Barón Rojo a estar integrado por cinco componentes, al unírseles Pepe Bao al bajo (conocido por bandas como Manzano), José Antonio Nogal "Ramakhan" a la batería (de Tritón), y Maxi González (también de Tritón), voz solista en todos los temas.

El primer álbum de Barón Rojo en la década de los noventa, es Desafío, álbum producido por Carlos de Castro para Avispa. Fue grabado en los estudios M-20 de Madrid durante enero de 1992. En este álbum la formación estaba compuesta por los hermanos Carlos y Armando de Castro, José Antonio Nogal "Ramakhan" en la batería y Niko del Hierro al bajo. A pesar de ser un álbum de gran calidad, con temas como el clásico Te espero en el infierno, no obtuvo un gran éxito debido a los malos tiempos que corría el género.
En el año 1995, la discográfica Zafiro, que se quedó con los derechos de los temas de Barón Rojo hasta la separación, saca un recopilatorio llamado Larga vida al Barón, que contiene lo mejor desde el álbum Larga vida al rock & roll hasta Obstinato. En este recopilatorio no tuvieron nada que ver los componentes del grupo.
Luego de este trabajo y con nueva casa discográfica en 1997, nos entregan su nuevo álbum Arma Secreta, el cual fue grabado y producido por Carlos de Castro para Clave Records en los estudios Kilociclo de Madrid durante el año 1996. Vuelve la banda a un sonido más básico y más duro, que preparará al Barón Rojo del nuevo Milenio.

En 1999, luego de la adquisición de los derechos de los temas por BMG, sale al mercado el álbum doble recopilatorio llamado Cueste Lo Que Cueste con 31 de los mejores temas de la trayectoria de Barón Rojo desde el disco Larga vida al rock & roll hasta el Obstinato, además incluye cuatro temas nuevos, Cueste lo que cueste, El trepa, Cielo o infierno y Más de ti y una nueva versión del Resistiré, cantada esta vez por Carlos de Castro, todos ellos grabados en los estudios Sonoland de Madrid durante julio y agosto de 1999.
En el año 2001, Barón Rojo entra en el nuevo milenio con el álbum 20+ en alusión a la existencia de la banda por más de 20 años. Este álbum fue producido por V. M. Arias para Zero Records, y grabado en los estudios Oasis de Madrid durante diciembre de 2000 y enero de 2001. En este álbum encontramos un Barón Rojo que sin timidez incluye instrumentos de viento en sus arreglos, el evidente uso de Saxofón, Trombón e incluso Trompetas, le impregna un sonido muy particular a este veterano álbum. En este álbum se incluyó un video-clip multimedia del sencillo Fronteras.

En el año 2002, nos entregan nuevamente un álbum doble en vivo, titulado Barón En Aqualung, producido por Barón Rojo para Zero Records. Este álbum fue grabado en vivo el día 5 de octubre de 2001 en la sala Divino Aqualung de Madrid y salió a la venta en la primavera de 2002 inicialmente con el título Barón en divino como DVD y posteriormente en un doble CD con el título Barón en Aqualung puesto a la venta el 11 de mayo del mismo año. Fue mezclado en los estudios Ritmo & Compás de Madrid. En esta grabación en vivo apreciamos al nuevo sonido de Barón Rojo, que incluye plenamente la presencia de músicos invitados con instrumentos de viento.
El 9 de junio de 2003 sale a la venta el álbum de versiones titulado Perversiones, grabado y mezclado en los estudios Oasis de Madrid durante los meses de marzo, abril y mayo de 2003. Producido por José Miguel Ros y Carlos Rufo para Zero Records. Este álbum incluye versiones de las bandas que son consideradas por sus mismos integrantes como influencias en la carrera musical de los Barón Rojo, como Black Sabbath, Deep Purple, y Jimi Hendrix entre otros.

En 2005 es expulsado del grupo el batería Vale Rodríguez, que será sustituido por el anterior batería del grupo, José Martos.
A finales de 2006 se publica Ultimasmentes, con un sonido más conservador que 20+ y Arma secreta, que cuenta con la particularidad de tener un tema compuesto y cantado por el bajista Ángel Arias, Nada que hablar, y uno compuesto por José Martos, El porvenir, un castigo, además de rescatarse el tema El hombre de las cavernas, compuesto por Armando de Castro en 1997 para un proyecto en solitario que nunca vio la luz. Todos los temas están cantados por Carlos, salvo las instrumentales de apertura y cierre, el citado tema cantado por A. Arias y dos cantados por Armando, En el centro de la tierra y la balada También por ti.
El 19 de noviembre de 2007 sale a la venta el doble CD en directo "Desde Barón a Bilbao" con 2 CD, un DVD y un libro que pone fin a la etapa de Angel Arias y Jose Martos con Baron Rojo. El concierto fue grabado el día 23 de agosto de 2007 durante las fiestas locales de Aste Nagusia de Bilbao.

Barón Rojo ha actuado en directo en varios lugares de Europa, así como en Estados Unidos, Sudamérica e incluso en el continente africano. Ha sido, junto a Obús y Ángeles del Infierno, el grupo de heavy metal español de referencia para muchas de las bandas de rock duro surgidas en España en la década de los 90 y la actualidad. El día 18 de Septiembre del año 2007, Angel Arias abandonó Barón Rojo. No tardaría mucho en hacerlo su compañero y amigo José Martos, José abandonó Baron Rojo el 2 de octubre del año 2007. A finales de ese mismo mes, la banda anuncia la incorporación de los dos sustitutos. El puesto de bajista lo ocupa desde entonces y hasta septiembre de 2008 Tony Ferrer, hasta entonces bajista del grupo tributo a Deep Purple Los Parpel y de José Andrëa, cantante de Mago de Oz. Tras la batería se sienta Rafa Díaz, ex Easy Rider (banda) y hasta entonces miembro de Neomenia.
Tony Ferrer fue expulsado de la Banda en septiembre de 2008, siendo sustituido por el ex bajista de Ñu, Gorka Alegre.
En febrero de 2009 confirmaron su participación en el Festival Metalway de Zaragoza que se produjo el 20 de junio de 2009, con una reunión especial en la que participaron los cuatro miembros originales del grupo: Carlos de Castro, Armando de Castro, Hermes Calabria y José Luís Campuzano, "Sherpa". Este mismo año han publicado el que por ahora es su último trabajo: En Clave de Rock.

El 14 de junio de 2010 fueron uno de los grupos participantes en la Edición de Rock in Rio 2010. En agosto de 2010 participaron como cabezas de cartel en el Festival Leyendas del Rock, de San Javier. El 5 de noviembre en la 3ª ed. del Ajo Rock, siendo la primera edición del festival de pago.

Discografia

Álbumes

Larga vida al rock and roll - 1981
Volumen brutal - 1982
Metalmorfosis - 1983
En un lugar de la marcha - 1985
Tierra de nadie - 1987
No va más - 1988
Obstinato - 1989
Desafío - 1992
Arma secreta - 1997
20+ - 2001
Perversiones - 2003
Ultimasmentes - 2006

En directo

Barón al rojo vivo - 1984
Siempre estáis allí - 1986
Barón en Aqualung - 2002
Desde Barón a Bilbao - 2007 (DVD y 2 CD)
En clave de rock - 2009

Recopilatorios

Larga vida al Barón - 1995
Cueste lo que cueste - 1999
Las aventuras del Barón - 2006

Eels

2012-02-07T17:28:00.000+01:00

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Eels

Eels es una banda de rock de Estados Unidos formada por el cantante y compositor Mark Oliver Everett, mejor conocido como Mr. E o simplemente E, líder de la banda. El resto de los miembros, fue cambiando frecuentemente ya sea para grabaciones en estudio como para las presentaciones en vivo.
A pesar de ser hijo de un reconocido científico norteamericano Hugh Everett, Mark Oliver no mostró ningún tipo de talento para las ciencias. Más bien fue influenciado por su hermana, quien tocaba piano. Así fue que, desde adolescente, E se inclinó a la música, llegando luego a conformar una de las bandas alternativas más relevantes.

Mr E grabó un disco como solista para la discográfica Polydor, llamado “A man called E” y lanzado en 1992, contenía el tema “Hello cruel world”, que llegó a ser un hit de las listas alternativas. Para promocionar su primer álbum salió de gira, abriendo los shows de Tori Amos.
En el año 1993 le siguió “Broken Toy Shop”, también para Polydor, con menor impacto que el primero. Para entonces Jonathan 'Butch' Norton, amigo y músico colaborador en los conciertos de E, estaba convenciéndole para formar una banda de rock.

Por aquel tiempo Mr. E estaba acompañado en vivo por el baterista Jonathan 'Butch' Norton y más tarde por el bajista Tommy Walters. Ya para el lanzamiento de lo que sería el siguiente disco de E, decidió cambiar de nombre a la banda y la llamó “Eels”. Lo que sería el primer disco de la banda: “Beatiful Freak”, fue publicado en 1996, que también logró un par de hits en las listas alternativas con los temas “Novocaine for the Soul” y “Susan's house”.

Hacía algunos años su padre había fallecido, en 1996 su hermana se suicidó y en el 98 su madre tenía un cáncer terminal; estos eventos inspiraron a E a escribir su siguiente álbum “Electro-Shock Blues”. Lanzado en 1998, el álbum trata sobre esos temas trágicos, y más allá de su oscuro trasfondo, trata de plasmar una actitud positiva ante la vida.
Entre los invitados en el álbum se incluyen los amigos y vecinos de E, Mike Simpson de los Dust Brothers, Mickey Petralia, Grant Lee Phillips de Grant Lee Buffalo, Lisa Germano, Jon Brion, y T-Bone Brunnet. El tema "Last Stop: This Town" tuvo cierto éxito como primer single; y el segundo single "Cancer for the Cure" fue usado en la banda sonora de la película American Beauty.
La gira de promoción del álbum fue interrumpida por el fallecimiento de la madre de E. En dicha gira, Tommy Walters fue sustituido por Adam Siegel.

En el año 2000 Eels lanzó “Daisies of the Galaxy”, un álbum mucho menos oscuro, hasta podría ser considerado como alegre. E estuvo acompañado en el estudio por algunos músicos invitados, como son: Michael Simpson (Dust Brothers), Grant Lee Phillips (Grant Lee Buffalo) y Peter Buck (R.E.M.). “Mr. E’s Beatiful Blues” un tema oculto del disco, llegó a ser uno de los éxitos del mismo. Ni bien salió el disco, cuenta la leyenda que el baterista soñó con la “Eels Orchestra”, una banda compuesta por cuerdas y vientos, Mr. E estuvo de acuerdo en llevar a la realidad aquel sueño, y durante ese año salieron de gira, estando la banda conformada por seis miembros y variados instrumentos (saxofón, trombón, trompeta, banjo, guitarra, violín, contrabajo, piano, clarinete, flauta y timbales). Viajaron por Estados Unidos y Europa, y abrieron para shows de Fiona Apple.
En 2001 publicaron “Souljacker”, un álbum más oscuro que el anterior. John Parrish co-escribió las canciones con E y tocó la guitarra en el álbum y en la primera parte de la gira de promoción. Kool G Murder se unió a Eels durante la gira y tocó bajo y teclados. El vídeo para el primer simple (“Souljacker part 1”), fue dirigido por “Win Wenders”

"Shootenanny!" fue el álbum lanzado en el 2003. Luego Mr. E haría referencia al mismo como un impasse para la grabación de su siguiente álbum. Fue grabado en solo 10 días. "Saturday morning" fue el tema elegido como simple. Por esos días el 'Butch' dejó la banda y fue reemplazado por Puddin.
El nuevo álbum, llamado "Blinking ligths and other revelations", fue lanzado el 26 de abril de 2005; fue el primer lanzamiento a través de su nuevo sello Vagrant Records. Es un álbum épico doble de 33 canciones. Incluye contribuciones de Tom Waits, Peter Buck y John Sebastian.
El 19 de enero de 2010 publicarán un nuevo álbum al que ha precedido el sencillo "Little Bird".

Discografia

Discos de estudio

Beautiful Freak (1996)
Electro-Shock Blues (1998)
Daisies of the Galaxy (2000)
Souljacker (2001)
Shootenanny! (2003)
Blinking Lights and Other Revelations (2005)
Hombre lobo (2009)
End Times (2010)
Tomorrow Morning (2010)

Directos

Electro-Shock Blues Show (1998/2002)
Oh, What a Beautiful Morning (2000)
Eels with Strings: Live at Town Hall (2006)

Recopilatorios

Meet the Eels: Essential Eels Vol. 1 (1996/2006)

Chila Lynn

2012-02-06T16:39:00.002+01:00

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Chila Lynn

Chila Lynn .( 24 de diciembre de 1991).
La joven cantante y pianista cubana, a sus 19 años,está considerada como una de las perlas musicales de una nueva generación. Su voz tiene la profundidad, el sentimiento y la consistencia de las grandes, sus conocimientos musicales son de grado superior y cuando se sienta ante el piano escuchamos a una instrumentista de primer nivel. Chila Lynn es una artista completa, integral y de enorme solidez que comienza una carrera que apunta a lo más alto con su álbum de debut (“Me parece muy ameno, no me canso de oirlo. Me gustaría que las personas lo escucharan y lo disfrutaran”, dice Chila) grabado para EMI Music Spain.

Las canciones del primer álbum de Chila Lynn se enmarcan en ese soul-pop de raíz negro-americana que solo está al alcance de artistas con la solidez musical de la cubana, depositaria de una voz excepcional y de una capacidad interpretativa que asombra dada su juventud. Su música une lo contemporáneo con un aliento Motown que sitúa a Chila Lynn en ese terreno intemporal en el que la calidad manda y el futuro se presenta infinito y prometedor.

Chila Lynn, con sólo tres años ingresó en la Escuela Elemental de Música Alejandro García Caturla de La Habana, para cursar después ocho años de piano clásico y música en la escuela Manuel Saumell, donde culminó sus estudios de nivel primario. En 2005 ingresó en la escuela de nivel medio superior Amadeo Roldán, donde consiguió altos premios y distinciones en los concursos nacionales de piano y música. Actualmente culmina su formación en el Conservatorio Nacional Superior de Música y Danza de la Universidad de La Sorbona de París, mientras prepara el lanzamiento de su primer álbum.

“Nací en Cuba, en el centro de La Habana”, se presenta Chila. “Estudié allí y desde muy chiquita estoy vinculada al mundo de la música. Provengo de una familia de gran tradición musical, mi abuelo ha pertenecido a orquestas legendarias como la Orquesta Aragón, mi padre ha acompañado a Pablo Milanés… He crecido dentro de ese mundo. Desde que tengo tres años estudio música, al principio música cubana y según fui creciendo me abrí a otras corrientes como el soul, el R&B, el pop… Han sido años de formación y fue duro. Muchas fiestas a las que no podía ir, cosas que no podía hacer… Pero estoy contenta porque todo eso ha tenido un buen resultado en mi vida”.

Dionne Bromfield

2012-02-05T23:22:00.001+01:00

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Dionne Bromfield

Dionne Julia Bromfield (1 de febrero de 1996, Londres) es una cantante británica conocida por su estilo y la temprana edad con la que se inicia en el mundo de la música. Bromfield debuto con su primer álbum, Introducing Dionne Bromfield (Presentando a Dionne Bromfield), fue lanzado en 2009 con el apoyo de su madrina musical Amy Winehouse. Saltó a la fama tras aparecer en un programa británico de televisión muy conocido, Strictly Come Dancing.

Bromfield asistio a Beaverwood School for Girls de Chislehurst hasta 2009. Bromfield apareció por primera vez en YouTube cantando un cover de Alicia Keys cantando la canción "If I Aint Got You" con su madrina Amy Winehouse.Ella asiste a la escuela Sylvia Young Theatre School de Westminster. Lanzo su primer álbum en Octubre de 2009 Introducing Dionne Bromfield que debutó en el puesto 33 de la lista británica.

En Enero del 2011 Bromfield anunció que su segundo disco se lanzaría en verano. Su primer single Yeah Right. En mayo de 2011 lanzo el segundo single Foolin, que tampoco llego al top 10 de UK Charts ni siquiera entro en el chart. El tercer single "Spinnin For 2012" llego al puesto 3 en UK Charts. Lanzo su disco en julio de 2011 alcanzando la posicion 26 en Uk Charts. Su disco ha sido promovido por Bromfield que aparecen en programas de televisión tales como Blue Peter y Fern.

Discografia
Álbums
Introducing Dionne Bromfield (2009)
Good for the Soul (2011)

Manolo García

2012-02-03T23:58:00.000+01:00

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Manolo García

Manuel García ,García,Pérez, conocido como Manolo García (nacido en El Poblenou, Barcelona, el 19 de agosto de 1955), es un cantante, compositor y pintor amateur español. Grabó sus primeros discos con grupos como Los Rápidos y Los Burros, alcanzó el éxito comercial con El Último de la Fila y actualmente continúa su carrera en solitario. Se caracteriza por un sonido pop rock mestizo con ritmos árabes, aflamencados y melódicos y por sus letras que aúnan lírica y surrealismo.

El artista catalán se ha caracterizado durante toda su carrera por mantener su vida personal muy alejada de su vida pública, por lo que el estado civil de Manolo García, así como su vida privada y todo lo alejado de lo estrictamente artístico, queda fuera del conocimiento popular. No obstante, es conocido su parentesco con la también cantante Carmen García (componente del grupo Carmen), de la que es hermano.

Su infancia estuvo marcada por sus primeros coqueteos artísticos. A la temprana edad de 7 años se encontraba realizando performances en la terraza de su hogar en las que ya combinaba distintos enfoques artísticos mezclando la pintura con desechos industriales como bidones o plásticos y otros elementos de difícil categorización. Todo ello alternado con sus estudios básicos obligatorios.
El perfil artístico que primero empezó a manifestar fue su afición a la pintura y la plástica. A los 14 años aún continuaba experimentando con las posibilidades de las artes plásticas, dedicándose a probar nuevos productos y pegamentos, mediante una formación totalmente autodidacta y con carácter amateur. No es hasta poco después cuando entra en el mundo laboral como pintor de cuadros al óleo, donde, según Quimi Portet, se convirtió en un especialista en cielos y lagos, debido a que se encargaba de rellenar las zonas azules de los paisajes, generalmente cielos y lagos.

Tras acabar sus estudios básicos, en torno a los 17 años, Manuel García comienza a dar tumbos en el mundo laboral, con trabajos como empleado de una empresa metalúrgica, donde ganó un concurso de dibujo organizado por la propia empresa, o botones en una agencia de publicidad, al tiempo que seguía su progresión artística. Buscando su vocación empieza a trabajar en el estudio de diseño gráfico de dicha empresa publicitaria, es entonces cuando decide estudiar diseño gráfico, matriculándose en la l’Escola d’Arts Aplicades i Oficis Artístics de Barcelona, donde recibe su primera formación especializada sobre las artes plásticas.
A los 21 años, inmerso ya en el mundo de la música siendo componente de diversas bandas locales, trabajaba como diseñador para casas discográficas dedicadas a la realización de covers (copias piratas) de los LP nacionales de más éxito de mediados de los 70. Durante seis años de trabajo en dicha discográfica, Manolo García llegó a realizar los diseños de más de 400 carátulas, generalmente de formato casete.
En 1981, al acabar el servicio militar, Manolo García llegó a rodar unas escenas al final de la película con guion de Francesc Bellmunt, La batalla del porro, a la que llegó por casualidad supliendo a un compañero que no pudo asistir al rodaje.

Manolo García comienza su andadura musical también a muy temprana edad, pasando la mayor parte de su juventud conviviendo entre sus dos principales iniciativas artísticas, la pintura y la música. Pero no es hasta los 25 años cuando consigue su primer contrato discográfico.
A los 10 años de edad surgen los primeros intereses acerca del mundo de la música, y en particular del cante, al entrar en el Centre Cultural i Moral del barrio de Poblenou; empezó a destacar por su entrega, llegando a desmayarse en una de las actuaciones. Tras unos años en los que su afición por las artes plásticas eclipsó sus intereses musicales, Manolo decide comprar su primera batería con ayuda económica familiar. Tras un tiempo de práctica, pasó a formar parte de un conjunto musical llamado Materia Gris, en el cual García era el batería.
Con Materia Gris, Manolo realizó actuaciones durante cuatro años, todas ellas de carácter local dentro de Cataluña, tocando en fiestas patronales, bautizos y demás celebraciones cotidianas. Tocaban canciones de los grupos nacionales de éxito y canciones populares, aunque solían acabar los conciertos tocando temas de grupos clásicos del rock and roll cuando su público empezaba a escasear. En los últimos momentos antes de la desaparición del grupo, cambió su nombre a Satán.

El siguiente conjunto musical en el que residió fue Silma y su Conjunto, grupo en el que siguieron la misma línea de actuaciones que su predecesor, pero fue en éste cuando Manolo empezó a ganar protagonismo como vocalista, ya que Silma, vocalista habitual del grupo, cedía el micrófono para que Manolo García cantara sus primeros temas en directo.
Cuando entró de diseñador gráfico de discográficas de dudosa legalidad, consiguió grabar algunos covers de artistas consagrados como Miguel Bosé, la Orquesta Mondragón, Miguel Ríos o Triana, siendo este último el único del que se tiene acceso. El Cover de Triana presumiblemente de principios de 1980, es el primer documento sonoro conocido donde se recoge la voz del cantante español, está compuesto por 6 canciones de las más populares del grupo, en las que García puso voz y tocó la batería.
Antes de conseguir grabar un álbum con composiciones propias, participó en la grabación de Tengo una idea (1980) del cantante nacido en Argentina pero residente en España, Sergio Makaroff, junto a otros músicos con los que más adelante formaría su propia banda como son Antonio Fidel, Josep Lluís Pérez y Esteban Martín. Manolo tocó la batería e hizo algunos coros en el disco del cantante argentino como se aprecia en canciones como Explorador celeste.

Tras grabar el disco de Makaroff, los músicos decidieron unirse en una banda y probar en el mundo musical, incorporando al batería Lluís Visiers para que Manolo García pudiera ser el vocalista del grupo. Con un puñado de temas compuestos grabaron una maqueta que entregaron a EMI, y con tan sólo dos meses de ensayos consiguen su primer contrato discográfico, de ahí el nombre que propusieron para su banda, Los Rápidos.
En 1980 graban su primer álbum, titulado Rápidos, que contenía doce canciones de un simple y marcado pop rock, con canciones como Navaja de papel, T.V. o Ruta del sur, de las cuales García escribió casi todas las letras y algunas de las melodías del álbum. A pesar del apoyo de la discográfica, que pretendía hacer de ellos la alternativa catalana a la movida madrileña, el disco fracasó en las tiendas vendiendo en torno a 2.000 copias.

No obstante, el grupo hizo cerca de 300 conciertos por la geografía catalana, generalmente ante un escaso público; fue ahí donde el grupo empezó a transgredir por el happening teatral que combinaban con su música, usando en los conciertos materiales de dudosa catalogación como duchas de espuma, plásticos, embudos de los que salía humo, bidones industriales o televisores, que además Manolo solía romper en directo con intención de escandalizar.
A pesar de no dejar la carretera, el grupo fue telonero de grupos de la talla de la Orquesta Mondragón y Ramones, a la par que actuaron en el programa televisivo Musical Express.
El grupo tuvo preparadas las canciones que pasarían a formar parte de su segundo álbum, sin embargo la discográfica les retiró el apoyo ante las pocas perspectivas de éxito, así que el grupo se vio abocado a su disolución, aunque sus actuaciones continuaron hasta finales de 1981.

Mediada la gira del grupo, se produjo el encuentro entre Manolo García y Quimi Portet. Los Rápidos fueron invitados al festival Rock de Lluna, coincidiendo estos con un grupo catalán llamado Kul de Mandril, en el que Quimi Portet tocaba la guitarra a la vez que ponía la voz cantante. A Manolo le agradó la forma de tocar de Portet y le propuso unirse a Los Rápidos para lo que quedaba de gira, a lo que Quimi aceptó.
Los componentes de Los Rápidos se dispersaron tras finalizar la gira, para buscar por separado cada uno su carrera musical. Manolo García se marchó al País Vasco para intentar la formación de una nueva banda musical, con la ayuda de Jaime Stinus y José Luis Dufourg, guitarrista y bajista respectivamente de La Orquesta Mondragón. A pesar de sus esfuerzos no tuvo éxito en su periplo vasco.

A su regreso a Barcelona, Manolo García encontró a algunos de sus ex compañeros, junto a Jordi Vila ensayando nuevas canciones y algunos temas de su etapa anterior. Fue entonces cuando accedió a ser el vocalista de una hipotética nueva formación musical.
Una vez se decidió el nombre del grupo, Los Burros, el grupo empezó a actuar sin ni siquiera tener un contrato discográfico. Incluso comenzaron la grabación de los temas por propia cuenta, autoeditándose con la ayuda de Toni Coromina; una vez tenían parte de su álbum grabado no tuvieron problemas para firmar con la discográfica independiente Belter. Así, en 1983 sale al mercado Rebuznos de amor, álbum que combina el estilo sencillo de Los Rápidos con el surrealismo aportado por Quimi Portet, con canciones como Huesos, Mi novia se llamaba Ramón, y otras canciones que ya constaban entre el material inédito de Los Rápidos, y posteriormente pasaron a formar parte del segundo álbum de Los Rápidos, que recopilaba dicho material. Es el caso de Conflicto armado, Disneylandia y Moscas aulladoras, perros silenciosos. Manolo pone la voz a todos los temas vocales y es el principal compositor de los temas, junto a Quimi Portet.

El mercado volvió a darle la espalda a Manolo García en esta nueva aventura musical, sin llegar a superar los 3.000 discos vendidos, a pesar de que la crítica se dedicó a ensalzarles. Belter fue a la quiebra cuando Los Burros ya tenían preparadas las maquetas para un próximo disco, dejando sin renovar la licencia de los discos que editó entre los que se encontraba Rebuznos de amor. Fue entonces cuando decidieron dar por acabada esta etapa.
Durante esta época, Manolo García y Quimi Portet junto a Jaime Gonzalo formaron una pequeña compañía de discos, llamada Discos Kriminales, en la que se dedicaron a producir algunos singles de unos pocos artistas allegados a los fundadores. Sacaron singles de Loquillo y Trogloditas, y algunos otros grupos de menor importancia como Primero Segunda, además de una gran cantidad de maquetas. Lograron que se editara un single de Kul de Mandril, Jamón de mono, que hasta ahora no habían conseguido producir. Sin embargo, al no verle demasiado futuro al negocio, decidieron dar por acabada la empresa.
En el transcurso de esta etapa, Manolo García participó en el rodaje de Gritos... a ritmo fuerte del director portugués José María Nunes.

Tras el fracaso comercial de sus discos anteriores, Manolo García decide junto a Quimi Portet unirse en una nueva formación apoyados por la pequeña discográfica independiente PDI, llamando a su grupo El Último de la Fila, grupo con el que le llegaría el éxito y reconocimiento comercial y popular.
La trayectoria musical del artista cambió drásticamente, El Último de la Fila tuvo su primer éxito ganando el concurso de maquetas de la revista Rock Spezial, lo que los hizo merecedores de un precontrato con la discográfica multinacional Virgin, el cual rechazaron para mantener su palabra con PDI.
En 1985 graban su primer disco titulado Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana. El estilo de este disco cambió el concepto musical de los trabajos en los que había trabajado Manolo García, pasó del sencillo pop rock al mestizaje de estilos, dando a sus canciones aires aflamencados y árabes. Todas las canciones están escritas por Manolo y Quimi, y cantadas por Manolo, destacando piezas como Querida Milagros o Dulces sueños. Al año siguiente, 1986, apareció en el mercado el segundo álbum, Enemigos de lo ajeno, con un estilo continuista con su anterior LP y que contenía algunas de las canciones más recordadas del artista como son Insurrección o Aviones plateados. Además, recorrieron toda la geografía española en una extensa gira, dando unos conciertos muy contundentes y energéticos. Los seguidores del grupo empezaban a ser numerosos.

1987 fue un año de publicación de varios trabajos con la participación de García. Salió a la venta Nuevas mezclas, un LP que contenía algunas de las más conocidas canciones de sus dos primeros trabajos, pero regrabadas en un estudio de Londres con un toque distinto. Se convirtió en poco tiempo en el disco más vendido del grupo. Además de este proyecto, Manolo produjo el primer disco de Quimi Portet en solitario, llamado Persones Estranyes, y grabó junto a Quimi y bajo el nombre de Los Burros, con Grabaciones Accidentales (GASA), discográfica que se había hecho con los derechos de las canciones de Los Burros, un mini-LP llamado Jamón de burro que contenía seis canciones muy variopintas, desde una nueva versión de Huesos hasta una canción de Kul de Mandril como Jamón de mono, pasando por composiciones descartadas de aquellos años y alguna canción nueva.
El nuevo disco del grupo no se demoró, Como la cabeza al sombrero sale en 1988. El álbum grabado en Francia es el más acústico del grupo y de toda la carrera de Manolo García, y también considerado por muchos de sus seguidores como el mejor álbum de su carrera, siendo el primero en el que el rock es llevado a un plano secundario. Destacan temas como Ya no danzo al son de los tambores o Llanto de pasión. El grupo superó las ventas de su anterior álbum y se acrecentó muy notablemente la demanda de entradas para sus conciertos. El 10 de septiembre de ese mismo año, Manolo García y Quimi Portet, fueron invitados al concierto Human Rights Now! (Concierto Pro Derechos Humanos) a compartir escenario con artistas del calibre de Bruce Springsteen, Tracy Chapman, Sting, Peter Gabriel y Youssou N’Dour.

El Último de la Fila dedice marcharse a una discográfica mayor, EMI, que les permitió tener un sello discográfico propio, Perro Records. Con esta noticia sacaron al mercado Nuevo pequeño catálogo de seres y estares en 1990, el disco más experimental del grupo y de toda la carrera del artista, aunque sin perder el estilo comercial con el que habían conseguido el éxito, con canciones como Cuando el mar te tenga o Músico loco. En poco tiempo se convirtió en su disco más vendido. Tanto en la contraportada del disco como en su gira, incluyeron logotipos de diversas organizaciones ecologistas, mostrando así un lado comprometido y solidario. En este mismo año el grupo fue telonero de Tina Turner en sus conciertos por Europa.

En 1993 el grupo volvió a sacar un disco al mercado, llamado Astronomía razonable, uno de los discos de más éxito de la carrera del artista barcelonés, llegando a vender casi un millón de copias. Contiene algunas de las canciones más carismáticas y reconocibles del artista como Como un burro amarrado en la puerta del baile o Mar antiguo. El disco también salió en una versión para Italia, con seis de los temas cantados en el idioma italiano. Tras un año sabático, salió a la venta en 1995 el último disco del grupo, La rebelión de los hombres rana. El disco sugería unos ritmos más lentos y oscuros que a los que acostumbraba el artista, lo que no gustó a todos los seguidores, pero que contenía talentosas canciones como Sin llaves o Las hojas que ríen. Las ventas sufrieron un leve receso, lo que no afectó a la gira del grupo, donde llenaban los recintos donde actuaban.

Ese mismo año, Manolo García se reunió con los antiguos componentes de Los Rápidos y decidieron publicar la maqueta que contenía las canciones que darían forma a su segundo LP, si este hubiera llegado a publicarse. Así, bajo el nombre de Los Rápidos 2 - Maquetas, el sello Perro Records lo sacó a la venta para dar a conocer unas canciones que de otra forma caerían en el olvido.
Tras dos años en los que no había noticias sobre el grupo, el 13 de enero de 1998 el grupo anunciaba su disolución para probar suerte en solitario, alegando que ya habían dado todo lo que podían juntos y lo mejor era trabajar cada uno por su lado. Fue justo en ese instante cuando empieza la carrera en solitario de Manolo García.

En el mismo año de la separación, Manolo García saca al mercado su primer trabajo en solitario, Arena en los bolsillos, grabado en Londres con la ayuda de Nacho Lesko y Pedro Javier González, consiguiendo en su primera semana el primer puesto de la lista de ventas AFYVE y logrando más de 900.000 discos vendidos durante su presencia en dicho listado. El cantante catalán se convertía así en uno de los pocos artistas españoles que al dejar atrás una banda, mantenían el mismo éxito comercial en solitario. Fue debido a que el disco contenía canciones que iban desde el pop melódico más intimista hasta el rock and roll que caracterizó al artista en sus primeros grupos. Así, canciones de este mismo disco como Pájaros de barro, A San Fernando, un ratito a pie y otro caminando o Como quien da un refresco fueron del agrado de la gran mayoría de seguidores que se habían aficionado a las canciones del músico en sus anteriores etapas. La gira que a continuación emprendió el artista le llevó a actuar en casi 100 conciertos por todo el territorio español con un rotundo éxito.

Fue el primer disco editado con Perro Records desde que este sello musical decidiera distribuir con la multinacional BMG. Con este álbum consiguió los premios amigo a "Mejor solista masculino español" y al "Mejor álbum español" y tres premios de la música como "Mejor artista pop", "Mejor álbum" y "Mejor producción artística", además del premio ondas al "Mejor artista en directo".
Al año siguiente, 1999, reunió en un box set todos los singles editados de su primer trabajo en solitario, sacándolo al mercado bajo el nombre de Singles - Arena en los bolsillos, en edición limitada de 50.000 copias. El valor del box set residía, además de en los temas ya incluidos en el disco, en las caras B de dichos singles, entre los que se encontraban versiones en directo, maquetas y alguna nueva versión de los temas del álbum. Junto con los CD se incluían postales con ilustraciones y fotos del artista y un póster.

Tras dos años de silencio, Manolo García volvía a grabar un nuevo disco en 2001, esta vez con sólo la coproducción del guitarrista Pedro Javier González. Su nuevo álbum que se llamó Nunca el tiempo es perdido, grabado entre Girona, Barcelona y París, y mezclado en Los Ángeles, contenía trece canciones pop con un toque más intimista que su primer trabajo en solitario y con mayor protagonismo de violines y elementos acústicos, destacando temas como «Nunca el tiempo es perdido», «Prendí la flor» o «Rosa de Alejandría». Las expectativas creadas con su anterior álbum hicieron de este segundo trabajo número uno en ventas durante las primeras semanas tras su salida, llegando a vender más de medio millón de copias. Manolo salió de nuevo a la carretera para presentar el disco en directo, tan sólo dos días después de que el álbum se pusiera a la venta, realizando 72 conciertos durante cinco meses, con más de 500 000 asistentes. Acabada la gira, la demanda de directos llevó al cantante español a realizar una mini gira acústica por teatros y otros recintos de menor aforo hasta febrero de 2002. Este nuevo álbum estuvo acompañado de los premios amigo a mejor solista masculino español y mejor álbum español, uno de los premios de la música por mejor álbum pop y un premio ondas por toda su contribución al pop español.

Como ya hizo con su primer trabajo en solitario, Manolo García volvió a reunir sus sencillos en un box set de carácter artesanal, para sacarlo a la venta bajo el extenso título de Los singles + Canciones en directo gira 2001-2002 - Nunca el tiempo es perdido. En esta ocasión, además de incluir los sencillos comerciales con sus caras B, incluyó versiones en directo de su gira acústica y dos canciones nuevas improvisadas durante un concierto de la gira, que son «Graná» y «Blues de la patilla».
A finales de noviembre de ese mismo año, se produjo un incidente que irritó al cantante y compositor catalán. El programa de televisión Operación Triunfo utilizó una canción del artista, Pájaros de Barro, pagando los derechos correspondientes pero sin pedir permiso al propio autor. Bajo el nombre de Operación Triunfo y el derecho a la disidencia, Manolo García realizó una queja pública donde dejó clara su postura y criticó con dureza y abiertamente el planteamiento artístico del programa y su excesiva orientación comercial.

2004 fue el año en el que Manolo volvió a publicar disco, así tras dos años alejado del panorama musical sale al mercado Para que no se duerman mis sentidos, su tercer álbum en solitario, en el que mantiene los mismos esquemas musicales de sus anteriores trabajos bajo la coproducción de Nacho Lesko y Pedro Javier González, como es habitual. Para esta ocasión, el artista catalán viajó a Brasil con la intención de grabar allí algunas de las canciones del álbum, como Para que no se duerman mis sentidos o Niña Candela. El resto del disco se grabó en Girona y Barcelona con los músicos habituales. Además de las ya nombradas, de este álbum destacan temas más rítmicos que los de sus anteriores trabajos, como Malva o Si te vienes conmigo, y otros temas más acústicos como Una tarde de sol. El disco fue editado junto a un DVD que contenía un vídeoclip y vídeos artísticos de otras nueve canciones. Como en todos sus trabajos en solitario hasta ahora, el disco se colocó líder en ventas, según AFYVE, durante las semanas adyacentes a la salida del álbum. Cuenta además con el premio ondas al "Mejor artista español".

Al no haber editado más que un par de singles comerciales, en vez de realizar una nueva recopilación con todos los sencillos del disco, tras la gira Manolo García volvió a meterse en el estudio de grabación para editar Singles, directos y sirocos. La nueva rareza musical del artista se compone de un box set con dos CD y un DVD y salió a la venta durante la navidad de 2005. El primer CD, denominado Singles y sirocos, contiene catorce temas entre los que hay cinco canciones nuevas como Sólo amar o Viento ardiente, algunas versiones distintas de los temas del álbum, una maqueta llamada Combustión (Incendio) y una canción en directo. El segundo CD tuvo por nombre Canciones en directo y contenía algunas de las canciones que ofreció durante la gira. El DVD estaba compuesto por la grabación de siete canciones durante uno de los conciertos de la gira, junto con un vídeo-clip.
En abril de 2007, el cantante catalán viajó a América para realizar una gira por países latinoamericanos. Acorde con ella se editó una versión de Para que no se duerman mis sentidos incluyendo dos temas más de los ya incluidos en sus discos anteriores: Pájaros de barro y Nunca el tiempo es perdido. Como herramienta de promoción se creó una nueva página web oficial exclusiva.

El 13 de mayo de 2008 salió a la venta su cuarto disco en solitario: Saldremos a la lluvia. Gran parte del disco se grabó en Creta (Grecia), con importantes influencias de la música griega. Resulta un disco más claro que de costumbre en cuanto a las realidades sobre las que Manolo quiere hacer reflexionar, con especial énfasis en la ecología. Cuenta con la colaboración de músicos de Ojos de Brujo, y las mezclas corrieron a cuenta de Neil Dorfsman, ingeniero de sonido que ha trabajado con Eric Clapton, Mark Knopfler u Oasis.
En el álbum, menos eléctrico y más sereno que los trabajos habituales del artista catalán, destacan baladas como Los cítricos amantes, escasos temas rockeros como Provincia de Río Negro y sobre todo composiciones en medio-tiempo como Saldremos a la lluvia, Tu pequeña tienda o el primer sencillo del álbum: No estés triste.
En la primera semana que estuvo a la venta se colocó primero en la lista de Promusicae y obtuvo un disco de platino. Manolo García realizó durante 2008 y 2009 dos extensas giras que le llevaron a tocar en directo por toda la geografía española.

Discografia

Arena en los bolsillos (BMG, 1998)
Nunca el tiempo es perdido (BMG, 2001)
Para que no se duerman mis sentidos (BMG, 2004)
Saldremos a la lluvia (BMG, 2008)
Los días intactos , (25 de octubre de 2011)

Extendida

Singles - Arena en los bolsillos (BMG, 1999)
Los singles + canciones en directo gira 2001-2002 - Nunca el tiempo es perdido (BMG, 2002)
Singles, directos y sirocos (BMG, 2005)
De mares y visiones (BMG, 2010)

Colaboraciones

Sergio Makaroff - Tengo una idea (LP, Epic/CBS, 1980) - Manolo García toca la batería y realiza algunos coros.
Código Neurótico - Totus tous (EP, dDomestic Records, 1983) - Manolo García produce el álbum.
Distrito 5 - Heidai (Single, dDomestic Redords, 1983) - Manolo García y Quimi Portet realizan la producción artística.
Loquillo y los Trogloditas - Vaqueros del espacio (Single, Tres Cipreses, 1983) - Manolo García realiza coros.
Los Diablos - Fruta fresca (LP, Belter, 1984) - Manolo García, Quimi Portet y Antonio fidel compusieron el tema Estoy hecho un bacalao.
Loquillo y los Trogloditas - Los singles (Maxi single, Tres Cipreses, 1985) - Manolo García y Quimi Portet realizan los coros en Vaqueros del espacio y Hawaii 5.0, además, coprodujeron Avenida de la luz.
Primavera Negra - Primavera negra (Mini LP, Twins, 1985) - Manolo García realiza los coros y produce el álbum junto a Quimi Portet.
Marc Almond - The House is Haunted (Single y Maxi single, Virgin, 1985) - Manolo García compuso el tema Cara a cara.
Recopilatorios infantiles (Varios, entre 1986 y 1997) - Manolo García compuso, junto a Quimi Portet, las canciones Paco el ciempiés y Contento.
Quimi Portet - Persones estranyes (LP, GASA, 1987) - Manolo García produce el álbum.
María del Mar Bonet - El.las (LP, BMG, 1993) - Manolo García pone la segunda voz al tema Noies voramar.
Quimi Portet - Hoquei sobre pedres (LP, EMI, 1997) - Manolo García pone la segunda voz al tema Massa.
Clandestinos - De amores y odios (LP, Clan Records, 1997) - Manolo García realiza los coros en Morena y Soñé.
Miguel Ríos - Miguel Ríos y las estrellas del rock latino (LP, Rock&Ríos Records, 2001) - Manolo García realiza la segunda voz en el tema Insurrección de El Último de la Fila.
Joan Manuel Serrat - Serrat... eres único (volumen 2) (LP, BMG, 2005) - Manolo García interpreta el tema Para la libertad.
Carmen - ¿Escapas o sólo caminas? (LP, Perro Records, 2007) - Manolo García realiza la segunda voz en los temas Rueda que irás muy lejos y La puerta abierta.
Miguel Ríos - El blues del autobús (2010)
Ojos de brujo - Baraka (2010)
Macaco - Seguiremos (2010)
Rocío Dúrcal - Luz de luna (2010)
Los Secretos - Volver a ser un niño (2008)
Los Chichos - Quiero ser libre (2008)

Etta James

2012-01-20T21:02:00.002+01:00

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Etta James

Jamesetta Hawkins ( 25 de enero de 1938 - 20 de Enero 2012) Riverside, California, 20 de enero de 2012 ), más conocida por su nombre artístico Etta James, fue una cantante estadounidense de géneros soul, reggaeton y rhythm and blues.

James fue prodigiosa en su tono de voz y esto le permitió convertirse en una cantante de gospel, interpretando en el coro de su iglesia de barrio en Los Ángeles. Empezó a hacer interpretaciones en la radio a los cinco años, bajo la tutela e instrucción del profesor James Earle Hines. Se trasladó a San Francisco en 1950, formando de inmediato un grupo con otras dos cantantes. Cuanto tenía 14 años, presentó su primera audición con el director de orquesta Johnny Otis.

A petición de su madre, Etta regresó a Los Ángeles para grabar "Roll With Me Henry" con la banda Otis y el vocalista Richard Berry para la compañía discográfica Modern Records. Otis al trío vocal como Peaches (más tarde, un apodo de Etta). "Dance With Me, Henry" llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos en 1955.
The Peaches se disolvió pronto y Etta siguió cantando para Modern Records a lo largo de toda la década de los cincuenta (frecuentemente bajo la supervisión del saxo Maxwell Davis). "Good Rockin' Daddy" fue otro éxito a finales de 1955, aunque otras canciones como "W.O.M.A.N" y "Tough Lover" no lo fueron tanto.

En 1960 comienza a trabajar con la discográfica Chess Records de Chicago, cantando para la subsidiaria Argo. Inmediatamente, su carrera alcazó un nivel altísimo de popularidad; no sólo hizo un par de dúos con su novio (el cantante líder de los Moonglows, Harvey Fuqua), sino que individualmente grabó canciones como la apasionada balada "All I Could Do Was Cry", alcanzando lo más alto de las listas de éxitos de R&B. Leonard Chess entendió a Etta como una cantante clásica de baladas con un potencial añadido para la canción popular, e hizo que la acompañase una orquestación de violines para su grabación de los temas At Last y Trust in me en 1961. No obstante, Etta no abandonó su lado más áspero: en 1962 grabó "Something's Got a Hold on Me", con tonos de gospel, en 1963 un vibrante disco en directo (Etta James Rocks the House) grabado en el New Era Club de Nashville, y en 1966 un dueto blusístico, "In the Basementcon", con su amiga Sugar Pie De Santo.

En 1967 grabó uno de sus temas clásicos, "Tell Mama", una balada soul optimista que contrastaba con otros temas más dramáticos de la misma sesión como "I'd Rather Go Blind". A pesar de la muerte de Leonard Chess, Etta permaneció en la compañía hasta 1975, aproximándose finalmente a la música rock.
Tras unos años difíciles, regresó en 1988 con un disco para Island titulado Seven Year Itch, que reafirmó su maestría en el soul sureño. Sus siguientes discos fueron variados, aproximándose tanto a la música más contemporánea (en 1990 con Sticking to My Guns) como a la emotividad más explícita (en 1992 con The Right Time), pasando por algunas aproximaciones al jazz y a la música navideña, como en 1998 con Etta James Christmas.

Rebeca Carpio

2012-01-19T16:32:00.000+01:00

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Rebeca Carpio

Nacíó en Badalona el 12 de Setiembre 1988, actualmente reside en Santa Coloma de Gramenet. De muy pequeña,a estado influenciada por el flamenco y rumba, puesto que pertenece a una familia de músicos. Estudió solfeo y piano en el conservatorio de El liceo de Barcelona, pero nunca recibió clases de canto, todo lo que ha aprendido ha sido de forma autodidacta.

Es diplomada en Magisterio Musical y actualmente ejerce de profesora de música.
En cuanto a su carrera profesional este es su primer trabajo discográfico, aunque ya había grabado algunos temas con otros artistas como:

El Carpio “Esa mujer” 2008
Sam “Solo otra vez” 2010
Shanaim “En aquel parque” 2011

Ha compartido escenario cantando en el teatro Apolo con Moncho Borrajo. También actuado en salas como el Teatro Segarra, Apolo, Sala Luz de Gas en la presentación del disco Después del Infierno de "El Carpio" en la que el dinero recaudado se donó a la fundación Fadam contra el cancer infantil.
Invitada en programas como, Toni Rovira y tu "Canal 25" y en TeleTaxi Televisión.

Sus influencias son Camaron de la Isla, Niña Pastori, Montse Cortés, Duquende...Le gusta fusionar el flamenco con el jazz y el soul y también escuchando a: Withney Houston, Alicia Keys, Mariah Carey... De ahí ha ido creando su propia forma de cantar y mejorando su tecnica a lo largo de los años.

Robert Palmer

2012-01-14T23:56:00.000+01:00

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Robert Palmer

Robert Allen Palmer (19 de enero de 1949 – 26 de septiembre de 2003), nacido en Batley, Yorkshire, fue un cantante inglés.
Era conocido por su presentación en ropa formal y elegante, su emotiva voz y la mezcla equilibrada de estilos musicales en sus álbumes, combinando soul, jazz, rock and roll, reggae, blues, e incluso cantó tirolés. Además son famosos sus video clips con su banda coreográfica de bellas mujeres-maniquíes.

Hijo de un militar británico destinado en Malta, Palmer se fue con su familia a Scarborough, Yorkshire en 1959. Influenciado desde niño por el blues, el soul y el jazz, Robert Palmer juntó su primera banda, The Mandrakes, a la edad de 15 años cuando aún estaba en el instituto de chicos de Scarborough. Su primera y principal ruptura vino con la salida del cantante Jess Roden de la banda The Alan Bown Set en 1969, después de que invitaran a Palmer a Londres para que cantara su single "Gypsy Girl". Las voces del álbum The Alan Bown!, originalmente grabadas por Roden, fueron re-grabadas por Palmer tras el éxito del single.

En 1970, Palmer juntó Dada, banda de 12-piece jazz-rock fusion, con el destacado cantante Elkie Brooks. La banda duró un año, después Brooks y Palmer formarían el críticamente alabado pero comercialmente fracasado grupo de rythm and blues Vinegar Joe, en el que Palmer cantaba y tocaba la guitarra rítmica. Lanzaron tres álbumes grabados por la compañía Island Records: Vinegar Joe (1972), Rock 'n' Roll Gypsies (1972), y Six Star General (1973).
Basándose en su look joven, su fuerte presencia y su emotiva voz, Island Records, firmó con Palmer un contrato en solitario. Su primer álbum Sneakin' Sally Through the Alley grabado en Nueva Orleans, Luisiana en 1974, estaba fuertemente influido por la música de Little Feat y la fusión funk de The Meters, quienes actuaron como banda de apoyo con el productor/guitarrista Lowell George, de Little Feat. Su primer single era una versión del tema "Sailin' Shoes" de Little Feat. Aunque con éxito moderado en el Reino Unido, tanto el álbum como el single alcanzaron el Top 100 en Estados Unidos.

Posteriormente se traslada con su mujer de Londres a Nueva York, y lanza el álbum Pressure Drop en 1975 (con el famoso bajista de Motown Records James Jamerson). Éste es un álbum influido por su interés en el reggae y la música rock. Giró con Little Feat en la promoción de este álbum.
Sin embargo, con el fracaso del siguiente álbum Some People Can Do What They Like, Palmer decidió mudarse a Las Bahamas; tras esto, su "estilo de vida emigrante" recibía más atención por parte de los diarios británicos que su propia música.

En 1978, lanzó Double Fun, una colección de rock caribeño influenciado, incluyendo una versión sincopada de "You Really Got Me". El álbum alcanzó el Top 50 en la revista estadounidense Billboard magazine y llegó al Top 20 de los singles con "Every Kinda People" de Andy Fraser. Con su mezcla de instrumentos caribeños, violines y buena letra, "Every Kinda People" se convirtió en una de las más queridas canciones de Palmer, versionada múltiples veces por otros artistas (incluyendo Chaka Demus y Pliers, Randy Crawford y Amy Grant) y citada por fans de la música y grupos espirituales por su mensaje positivo.
El siguiente álbum de Palmer fue una novedad artística, concentrándose en una dirección más rockera. Secrets, de 1979, produjo su segundo Top 20 de singles con "Bad Case of Loving You (Doctor, Doctor)", de Moon Martin, que junto con el single "Every Kinda People" formó una de sus canciones más reconocidas.

En los años 1980 Palmer experimentó un aumento de su éxito comercial. El álbum Clues, producido por Palmer junto con Chris Franz y Gary Numan, generó hits en ambos lados del Atlántico, primero con el single "Johnny and Mary" y después con "Looking for Clues". Los pegadizos videos musicales que mezclaban los estilos synth pop y new wave le permitieron llegar a una audiencia más joven. Este éxito fue repetido en 1982 con el lanzamiento de Some Guys Have All the Luck.
En 1983 Palmer experimenta con percusión techno, sampling y más instrumentos de la música de las islas que descubrió en Bahamas (incluyendo caribeños) en su atrevido álbum Pride.
"You Are In My System" era un ejemplo de la pasión de Palmer por las versiones de Rhythm and Blues. El introdujo la canción en el álbum Pride una vez que el resto de las canciones ya estaban acabadas. Escuchando la canción en un club de París, Palmer se apresuró en volver a su hogar en Las Bahamas, donde la banda reconvocada (incluido Frank, el co-compositor) tocó junta el tema.

1985 fue un año fundamental para Palmer. Tras el parón de Duran Duran, su guitarrista Andy Taylor y su bajista John Taylor se juntaron con el batería Tony Thompson y Palmer para formar la banda Power Station. Su álbum homónimo, grabado en su mayor parte en el estudio de Nueva York (Avatar Studios) por el cual la banda fue nombrada, alcanzó el Top 20 en el Reino Unido y en Estados Unidos, y supuso dos hit con los singles "Some Like It Hot" y una versión de la canción "Get It On" de la banda T. Rex.
En 1985 Palmer también grabó el álbum Riptide, con Thompson y Andy Taylor tocando algunas canciones y el productor de Power Station Bernard Edwars, quien trabajó con Thompson en la banda CHIC, para agarrar las riendas de la banda.
Riptide produjo un número 1 con el single "Addicted to Love", que estaba acompañado por un memorable y muy parodiado vídeo musical, dirigido por Terence Donovan, en el que Palmer es rodeado por una bandada de "mujeres músico". Los singles "Hyperactive" y su versión de la canción de Cherrelle "I Didn't Mean to Turn You On" también se realizaron bien. Otra canción, "Trick Bag", fue escrita por una de sus mayores influencias, el artista de jazz de Nueva Orleadns Earl King. En 1987, ganó el premio Grammy al mejor cantante masculino de rock por su canción "Addicted to Love".

En 1987, Palmer se trasladó a Lugano, Suiza y montó su propio estudio de grabación. Produciendo Heavy Nova en 1989, Palmer de nuevo volvió a la experimentación, esta vez con ritmos de bossa nova, rock duro y baladas de soul blanco. Repitió lo que anteriormente pasó con "Addicted to Love" en el vídeo de "Simply Irresistible", de nuevo Palmer con una troupe de "mujeres músico". La balada "She Makes My Day" también resultó ser un éxito. En 1989, ganó su segundo premio Grammy al mejor cantante de rock masculino por "Simply Irresistible", que sería posteriormente incluida en el musical de Tony-winning "Contact". La revista Rolling Stone votó a Palmer como la estrella de rock mejor vestida de 1990
Palmer colaboró con UB40 en su siguiente álbum Don't Explain. Lanzado en 1990, presentó el éxito de Bob Dylan "I'll Be Your Baby Tonight" y la versión de Marvin Gaye "Mercy Mercy Me". A lo largo de los 90 Palmer se aventuró más en diverso material, como el álbum de 1992 Ridin'High, un tributo a la era de Tin Pan Alley

En 1994, Palmer lanza el álbum tropical Honey, que aunque no consigue gran difusión en Estados Unidos, obtiene éxito en el Reino Unido con los singles "Girl U Want", "Know By Now" y "You Blow Me Away".
En 1995, Palmer se reúne con otros miembros de The Power Station para grabar un segundo álbum. El Bajista John Taylor eventualmente salía del proyecto debido a problemas personales, y era reemplazado por Bernard Edwards. Palmer y el resto de la banda completaron el álbum Living In Fear (Lanzado en 1996), y justo habían empezado a girar cuando Edwards murió de una neumonía.
Los siguientes años Palmer hizo más giras y más trabajos; el siguiente lanzamiento de nuevo material fue Rhythm and Blues (1999), que contenía una mezcla de canciones influyentes de Little Fear, rock y pop. Palmer lanzó un single de éste álbum llamado True Love que resultó tener poca importancia en el Reino Unido.
Su último lanzamiento, Drive (2003), fue señalado como el álbum más sentido de su carrera. Inspirado por una colaboración previa con Carl Carton en un disco tributo a Robert Johnson, en Drive hace versiones de quince estándares de blues, más la canción original "Lucky". A su vez hizo giras a pequeña escala, la mayoría alrededor del circuito de casinos.

Palmer, quien tenía su hogar establecido en Lugano, Suiza en los últimos 15 años, murió en París en el año 2003 a causa de un ataque al corazón a la edad de 54 años. Fue enterrado en el cementerio de Lugano. A pesar de no ser tan conocido como otros músicos, Robert Palmer dejó un legado inmortal con su tipo de música.

Discografia

Albumes

Sneakin' Sally Through The Alley (1974)
Pressure Drop (1975)
Some People Can Do What They Like (1976)
Double Fun (1978)
Secrets (1979)
Clues (1980)
Pride (1983)
Riptide (1985)
Heavy Nova (1988)
Don't Explain (1990)
Ridin' High (1992)
Honey (1994)
Rhythm & Blues (1999)
Drive (2003)

Compilaciones

Addictions Volume I (1989)
Addictions Volume II (1992)
Very Best Of Robert Palmer (1995)
Woke Up Laughing (1998)
Best Of Both Worlds: The Robert Palmer Anthology (1974-2001) (2002)

En Vivo

Maybe It's Live (1982)
Live At The Apollo (2001)
Robert Palmer At The BBC (2010 (Recorded In 1983)

Louis Armstrong

2011-12-17T21:29:00.003+01:00

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Louis Armstrong

Louis Armstrong (Nueva Orleans, 4 de agosto de 1901 – Nueva York, 6 de julio de 1971), también conocido como Satchmo y Pops, fue un trompetista y cantante estadounidense de jazz.
Se trata de una de las figuras más carismáticas e innovadoras de la historia del jazz y, probablemente, su músico más popular. Gracias a sus habilidades musicales y a su brillante personalidad, transformó el jazz desde su condición inicial de música de baile con raíces folclóricas en una forma de arte popular. Aunque en el arranque de su carrera cimentó su fama sobre todo como cornetista y trompetista, más adelante sería su condición de vocalista la que le consagraría como una figura internacionalmente reconocida y de enorme influencia para el canto jazzístico.
Los logros de Satchmo escapan a lo meramente artístico o personal, pues se convirtieron en símbolo de la creatividad del negro americano.

Louis Armstrong nació en el seno de una familia muy pobre y en uno de los barrios marginales de Nueva Orleans. La miseria se agudizó cuando su padre, William Armstrong, los abandonó. Louis era entonces un niño y pasaría su juventud en un difícil vecindario de las afueras de la ciudad. Su madre, Mary «Mayann» Albert (1886–1942), dejaba a Louis y a su hermana menor Beatrice Armstrong Collins (1903–1987) bajo el cuidado de su abuela, Josephine Armstrong y a veces, de su tío Isaac.
No existían antecedentes musicales en su familia, por lo que su interés por este arte surgió a partir de la escucha de las célebres bandas de Nueva Orleans, que desfilaban habitualmente por las avenidas de la ciudad.
Aprendió, en primer lugar, a tocar la corneta en la banda de la Nueva Orleans Home for Colored Waifs, un reformatorio para niños de color abandonados a donde había sido enviado en varias ocasiones por delitos menores, como por ejemplo el haber disparado al aire durante una Nochevieja. Allí, aconsejado por el director del reformatorio, Joseph Jones, y el profesor Peter Davis, optó por la trompeta entre otros instrumentos.

En 1914, tras su salida del reformatorio, trabajó como vendedor de carbón, repartidor de leche, estibador de barcos bananeros y otros empleos del mismo tipo. Empezó también a trabajar en los cabarets de Storyville, donde estaban concentrados todos los locales nocturnos de la ciudad; allí conoce al cornetista Joe King Oliver, quien fue su mentor y casi una figura paternal para él.
Al tiempo, seguía con atención todos los desfiles de las bandas de música habituales en la ciudad y escuchaba a los músicos veteranos cuantas veces podía, aprendiendo de Bunk Johnson, Buddy Petit y, sobre todo, de Joe King Oliver.
Entre 1918 y 1919, ya con una bien ganada reputación como cornetista, fue contratado por el director de orquesta Kid Ory, gracias a una recomendación de Joe King Oliver, que había dejado el puesto de cornetista. Louis llegó por este camino a tocar en algunas de esas orquestas de Nueva Orleans, incluyendo aquellas que viajaban por los ríos, como por ejemplo la renombrada orquesta de Fate Marable, que realizó una gira en un buque de vapor a lo largo de todo el Misisipi. El propio Armstrong describiría esta época con Marable como «su estancia en la universidad», ya que le proporcionó una enorme experiencia en el trabajo con arreglos escritos. Cuando Joe Oliver abandonó la ciudad en 1919, Armstrong ocupó el lugar de Oliver en la banda de Kid Ory, por entonces el grupo de swing más importante de la ciudad.

En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos que se produjo hacia Chicago, a donde había sido invitado por Joe King Oliver para incorporarse a su Creole Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta de Oliver era, a comienzos de los años veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong empezó a incrementarse de forma exponencial.
En 1923, Armstrong hizo su debut con la orquesta de Oliver para el sello discográfico Okeh Records. En sus primeras grabaciones se incluyeron algunos solos y apartes como segunda corneta de la banda; en 1924, sin embargo, ya era el solista más importante y más creativo del grupo. En febrero de 1924 se casó con Lillian Hardin, pianista de Oliver, quien lo animó a abandonar a este para alcanzar mayores metas artísticas. Así, se separó amistosamente de Oliver y, tras trabajar brevemente con Ollie Powers, se marchó a Nueva York.

Su fama llegó rápidamente a oídos del mejor director de orquesta negro del momento, Fletcher Henderson, quien le ofreció un contrato para que se uniese a su banda, la Fletcher Henderson Orchestra, la principal banda afroamericana de la época. Armstrong se cambió a la trompeta para armonizar mejor con los otros músicos de su sección orquestal y debutó con ella el 29 de septiembre de 1924 en el Roseland Ballroom de Nueva York. Tras decidirse a aprender a leer música, en sólo un año revolucionó el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y grabó con las mejores cantantes de blues de la época, como Bessie Smith.
Durante este periodo, hizo también muchas grabaciones de forma independiente con los arreglos de un viejo amigo de Nueva Orleans, el pianista Clarence Williams, como por ejemplo unos dúos con su «rival» musical Sidney Bechet y una serie de acompañamientos con los Blues Singers.

En 1925 regresó a Chicago para unirse a la orquesta de Lil en el Dreamland Ballroom; empezó a grabar bajo su propio nombre para el sello OKeh acompañando a dos formaciones creadas por él llamadas Hot Five y Hot Seven, produciendo éxitos como «Potato Head Blues», «Muggles» (una referencia a la marihuana, la cual tendía a consumir desde siempre) y «West End Blues».
El trabajo de Armstrong con ambos grupos se convertiría en clásico dentro de la historia del jazz, siendo enormemente influyente y reinterpretado.
Fuera del estudio continuó tocando con Big Bands, como por ejemplo las de Erskine Tate y Carroll Dickerson, y su repertorio comenzó a cambiar hacia canciones populares como «Ain't Misbehavin». Apoyado ahora por la prestigiosa banda de Dickerson, anunciada como su propia orquesta, Armstrong aplicaba su forma virtuosa de tocar la trompeta y su encantadora manera de cantar con enorme efecto a las melodías populares de la época. La aparición en 1926 de «Heebie Jeebies» supone la primera muestra del estilo vocal llamado scatting, que Armstrong haría famoso: un solo instrumental cantado mediante sonidos o palabras sin ningún sentido.

Armstrong regresó a Nueva York en 1929, luego se trasladó a Los Ángeles en 1930 y después realizó una gira por Europa a partir de 1932 (regresaría dos años después, en 1934), consiguiendo un espectacular éxito en París. La aparición de Joe Glaser en 1935 como su representante y la contratación de la orquesta de Louis Russell como formación de apoyo de Armstrong, establecieron el curso de los acontecimientos durante el resto de la década, en la que Armstrong pasó de ser una simple figura del jazz a un destacado miembro de la industria del entretenimiento en general.
En 1940, Glaser rompió su relación comercial con la big band de Russell y contrató a nuevos músicos: esta unidad fue el principal apoyo con el que contó Armstrong hasta 1947. El cambio de aquel año fue presagiado por la grabación de la banda sonora de la película Nueva Orleans, en la que aparecía Louis, y en la que se interpretaban obras del repertorio clásico del jazz a cargo de un pequeño grupo.

Tras pasar muchos años de gira, se asentó permanentemente en Queens, Nueva York, en 1943. Aunque no ajeno a las vicisitudes del Tin Pan Alley y del negocio musical controlado por gánsteres, Louis continuó desarrollando su técnica y su carrera musical.
Durante los siguientes treinta años, Armstrong llegó a actuar una media de trescientas veces por año. En los años cuarenta, las big bands entraron en decadencia debido a los cambios en el gusto del público: muchas salas de baile cerraron y entre los nuevos medios de comunicación como la televisión y el auge de nuevos tipos de música, las big bands y el swing pasaron a un segundo lugar. Se hizo imposible mantener y financiar orquestas itinerantes de 16 músicos.

Hacia 1947, Armstrong redujo su banda a seis instrumentos, volviendo así al estilo Dixieland que lo había hecho famoso al principio de su carrera. Este grupo fue llamado All Stars y estaba formado por Armstrong (voz y trompeta), Jack Teagarden (trombón), Barney Bigard (clarinete), Earl Hines (piano), Big Sid Catlett (batería) y Arvell Shaw (contrabajo). Con ellos, Louis Armstrong se presentó el 13 de agosto de 1947 en el club Billy Berg's de Los Ángeles. Por la agrupación pasaron otros músicos en diferentes etapas: Trummy Young (quien tocó con Dizzy Gillespie desde 1944), Marty Napoleon, Billy Kille, Edmond Hall, Danny Barcelona, Tyree Glenn y Barrett Deems. Durante este periodo, realizó muchas grabaciones y apareció en alrededor de treinta películas.
En 1964, Armstrong grabó el que sería su tema más vendido: «Hello, Dolly». La canción obtuvo el puesto número uno en las listas de Estados Unidos, superando al grupo inglés The Beatles. Armstrong también obtuvo por el disco un premio Grammy al Mejor Cantante masculino y fue nominado a Mejor Disco del año. En este álbum se encuentra, también, otro tema clásico de Armstrong: «Jeepers Creepers».

Armstrong tuvo trabajo hasta pocos años antes de su muerte y, aunque en ocasiones en sus últimos años se inclinase hacia algunas interpretaciones triviales, en otras era capaz de demostrar un todavía asombroso dominio de la técnica y de la intuición musical que dejaba perpleja a su propia banda.
Entre sus numerosos destinos artísticos, estuvieron lugares de África, Europa y Asia, bajo el patrocinio del Departamento de Estado de los Estados Unidos; el éxito fue tan grande que terminó por ser conocido como «Ambassador Satch» (embajador Satch).
Debido a problemas de salud, restringió sus actuaciones a lo mínimo hacia el final de su vida, aunque seguiría tocando hasta el día de su muerte.
Louis Armstrong sufrió un ataque al corazón en 1959, del cual se pudo recuperar para seguir tocando. Pero un segundo ataque al corazón en 1971, le obligó a guardar reposo durante dos meses. Se reunió nuevamente a tocar con su grupo el 5 de julio de ese mismo año y, al día siguiente, en Corona, Queens (Nueva York) murió mientras dormía por complicaciones de su corazón, justo un mes antes de cumplir 70 años.

Discografia

1923: Louis Armstrong and King Oliver
1923: Clarence Williams' Blue Five
1928: Hot Fives And Sevens, Vol. 3
1931: Stardust
1933: Louis Armstrong Sings the Blues
1947: Satchmo at Symphony Hall, Vol. 2 [live]
1949: Satchmo Serenades
1951: Satchmo at Pasadena [live]
1954: Louis Armstrong Plays W.C. Handy
1955: Louis Armstrong at the Crescendo, Vol. 1 [live]
1955: Ambassador Satch
1955: Satch Plays Fats: The Music of Fats Waller
1955: Satchmo the Great
1956: Ella and Louis
1956: Pasadena Civic Auditorium June 20, 1956 (Giants of Jazz)
1957: Porgy & Bess
1957: Ella and Louis Again
1957: Louis Armstrong Meets Oscar Peterson
1957: Louis and the Angels
1959: The Five Pennies
1960: Happy Birthday, Louis! Armstrong & His All-Stars
1960: Satchmo Plays King Oliver
1961: Together for the First Time [With Duke Ellington]
1963: Hello, Dolly!
1968: What a Wonderful World
1968: Disney Songs the Satchmo Way
1969: On Her Majesty's Secret Service . BSO de 007 al servicio de su majestad.
2002: The Best of Louis Armstrong: The Hot Five and Seven Recordings
2002: Satchmo Live
2006: Complete New York Town Hall & Boston Symphony Hall Concerts

Mark Knopfler

2011-12-15T23:56:00.000+01:00

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Mark Knopfler

Mark Freuder Knopfler,nace en Glasgow el 12 de agosto de 1949. Es el segundo de los tres hijos del matrimonio formado por el arquitecto húngaro judío Earwin Knopfler, exiliado de su país en 1939 huyendo de los nazis, y Louisa Mary Laidler, inglesa de Newcastle. A los 9 años su familia se traslada a esta ciudad, a orillas del río Tyne, y ya por entonces le ha cogido gusto a la música oyendo a su tío Kingsley tocar boggie-boggie con el piano. Durante esos años de infancia, su padre intenta, con la ayuda de su tío, que aprenda a tocar el piano y también el violín, aunque lo que más le llama la atención es la guitarra.

Con 13 años, Mark asiste a la escuela primaria de Gosforth y ya acostumbraba a coleccionar fotos de grupos musicales, sobre todo de guitarristas. Empieza a insistir a su padre para tener una guitarra, y con 15 años consigue por fin comprarse una Hofner V2 Solid de colores rojo y negro, una guitarra estéticamente similar a una clásica "Stratocaster". En 1966, con tan sólo 16 años, debutó en televisión cantando la canción "Chilly Winds" con Sue Hercombe. Incluso llegó a grabar una maqueta llamada "Summer's Coming my Way" (solo en manos de coleccionistas). Tras completar su educación de literatura inglesa, se trasladó a Leeds a comienzo de los 70. Trabajaba para los periódicos Yorkshire Evening Post y el Loughton College.

En esta época es cuando conoció a Steve Phillips con el que entabló amistad y grabó varias canciones de country que no verían la luz hasta 1996 cuando Steve Phillips publicara el álbum Just Pickin' con una serie de canciones grabadas entre finales de la década de 1960 y mediados de los años 1970 con distintos músicos. Steve y Mark volverían a encontrarse en sus carreras musicales con la formación del grupo Notting Hillbillies.
Mark se trasladó a Londres con su hermano, David Knopfler. Mark pasó a formar parte de un grupo llamado Brewer's Droop que había publicado ya un álbum Opening Time. En 1973, grabaron su segundo álbum, Booze Brothers, producido por Dave Edmunds de Rockpile. Sin embargo, por diversos problemas, el álbum no fue publicado hasta 1989. Durante la grabación, Mark conoció al batería del grupo, Pick Withers.

Una vez disuelto el grupo "Brewer's Droop", Mark volvió a la rutina viviendo con su hermano. En 1977, durante una fiesta, Mark conoció a John Illsley, que tocaba el bajo. Fue entonces cuando decidieron formar un grupo: Mark, su hermano David, John y el antiguo batería de "Brewer's Broop", Pick Withers. En un comienzo, el nombre de la banda fue "Cafe Racers". Interpretaban su repertorio (principalmente compuesto por Mark, aunque con canciones de David y versiones de otros músicos) en los pubs de Londres, como otras muchas bandas británicas del momento (lo que acabó conociéndose como pub rock). Finalmente, fue Pick el que propuso cambiar el nombre a Dire Straits (que en inglés viene a significar "grandes apuros" o "situación desesperada" debido a la penosa situación económica que vivían en aquellos días.
En 1978, consiguen publicar su primer álbum, titulado simplemente Dire Straits. Generó el éxito Sultans of Swing. Tras ese álbum, continuaron publicando discos a medida que el personal de la banda iba cambiando. David y Mark se enfrentaron por el protagonismo que tenía este último dentro de la banda.

Durante los años 1980, la banda evolucionó musicalmente hacia una mayor complejidad mientras que se convertía en un conjunto de músicos más variado y más grande. En 1985, tan sólo John y Mark continuaban en la banda. Fue entonces cuando publicaron Brothers In Arms, un éxito sin precedentes que les lanzó definitivamente. Artistas de la talla de Sting y Eric Clapton colaboraron con la banda en esta época.
Tras una etapa de silencio a finales de los 80, Dire Straits volvió comienzos de los 90 con el que sería su último álbum 'On Every Street', con una clara influencia country. No consiguió las mismas ventas que "Brothers in Arms" y tuvo críticas polarizadas. Finalmente, en 1995 la banda se disolvió.

Knopfler se había ganado una cierta reputación como músico de estudio. En 1979 Bob Dylan le llamó para las sesiones de Slow Train Coming, que incluye la conocida "Man Gave Names To All The Animals". Dylan había escuchado el single de "Sultans of Swing" y le había contactado el 29 de marzo tras un concierto en Los Ángeles. Para la grabación en Alabama, Knopfler recomendó a Pick Withers, baterista de Dire Straits.En 1980 colabora en el disco "Solo in Soho" de Phil Lynnott,bajista y cantante de Thin Lizzy,concretamente en el tema "King's Call.

En 1983, mientras tocaba con Dire Straits, Knopfler compuso la primera de una larga serie de bandas sonoras, "Local Hero", en la que colaboraron la mayoría de sus compañeros. A Guy Fletcher, teclista que se incorporó a la formación poco después, lo conocieron en 1984, durante la grabación de una de estas bandas sonoras. Fletcher seguiría colaborando con Knopfler en su carrera en solitario y en otras bandas sonoras como la de Last Exit To Brooklyn (1989): su trabajo más ambicioso como compositor. El estilo de Knopfler en sus bandas sonoras se acerca en general al sonido llamado celta ("Local Hero", "Cal", "A Shot At Glory") aunque también se pueden encontrar ejemplos de otros estilos como el country ("La Cortina de Humo"). En 1993, se publicó Screenplaying; una recopilación de los mejores temas de algunas de sus band
as sonoras.

En la etapa de silencio de Dire Straits a finales de los 80, Mark se encontraba saturado del esfuerzo que había supuesto la gira mundial del álbum "Brothers in Arms". Además, el estilo musical de la banda, le impedía publicar canciones más personales de estilos más minoritarios como el country o el blues. Por ello, en esos años en los que Dire Straits no publicaba nada, Mark aprovechó para publicar un disco con el guitarrista de country Chet Atkins en 1990 (más adelante, en el año 2006, volvería a publicar un álbum de country en colaboración con otro músico, la cantante Emmylou Harris). En 1988 vuelve a colaborar con Bob Dylan en Down in the Groove, en el que coincide con otros grandes, como Clapton. Con Steve Phillips, Brendan Crocker y Guy Fletcher agrupó la banda Notting Hillbillies, que publicó un sólo álbum de estudio, aunque se han reúnido con frecuencia para hacer giras a lo largo de los años 1990.

A mediados de los 90, Mark se sentía cada vez menos libre como músico dentro de Dire Straits. Este sentimiento junto con el hecho de que el último álbum de la banda había tenido un recibimiento tibio, hicieron que Mark decidiera lanzar una carrera en solitario plena tras la disolución de Dire Straits. En 1996, Golden Heart vio la luz. En él, encontramos una serie de canciones que continúan el estilo de los últimos álbumes de Dire Straits; pero al mismo tiempo encontramos otras canciones impensables en un álbum de pop-rock al uso como Dire Straits solía publicar. En este álbum comenzó a tocar con una serie de colaboradores que serían denominados por el propio Knopfler como "The 96ers" (que viene a significar algo así como "los del 96") y con los que seguiría colaborando en adelante. Digno de mención es la colaboración de los intérpretes de música celta del grupo The Chieftains.

Alejándose progresivamente del estilo que había seguido en la década de 1980, Knopfler publicó Sailing to Philadelphia en el año 2000, con un estilo principalmente de blues, en él colaboraban músicos como Van Morrison, James Taylor o el dúo de Squeeze. Más tarde, llegó The Ragpicker's Dream en 2002 con un estilo folk.
En 2003, Mark Knopfler sufrió un accidente de moto en Londres que le obligó a cancelar su gira mundial. A finales de 2004, publicó el álbum Shangri-La, grabado en el estudio Shangri-La en Malibu; donde grabaron grupos como The Band.
En 2006, Mark Knopfler junto a Emmylou Harris publican el álbum "All the Roadrunning",en el que se recogía colaboraciones entre los dos músicos entre los años 2000 y 2006. El lanzamiento vino acompañado por conciertos en Europa y América durante el año 2006; que dieron lugar al álbum en directo y DVD "Real Live Roadrunning".

El 10 de septiembre de 2007 editó un nuevo álbum titulado Kill To Get Crimson, en el cual se cuentan las colaboraciones del ex miembro de Dire Straits, Chris White en el saxo tenor, Guy Fletcher en los teclados y Danny Cummings en la percusión. Para este nuevo álbum, Knopfler rompió con la que venía siendo formación habitual de su banda desde mediados de los 80 (dos guitarras, dos teclados, un bajo y una batería) para pasar a una banda mucho más pequeña (una guitarra, un teclado, un bajo y una batería). Con ello, buscaba alcanzar el estilo musical de las canciones de los años 60.
Get Lucky es el título elegido para el sexto álbum en solitario de Knopfler. Publicado el 15 de septiembre de 2009, fue nuevamente coproducido por Chuck Ainlay y Guy Fletcher.
Mark Knopfler tiene dos hijos gemelos (Benji y Joseph, de su segundo matrimonio), y dos hijas, Isabella y Katya Ruby Rose (del actual); tiene un título en literatura inglesa de la universidad de Leeds, la universidad de Newcastle le ha concedido un título honorífico en música.

Discografia

Golden Heart (1996)
Sailing to Philadelphia (2000)
The Ragpicker's Dream (2002)
Shangri-La (2004)
The Trawlerman's Song (2005)
One Take Radio Sessions (2005)
Private Investigations: The Best of Dire Straits & Mark Knopfler (2005)
Kill To Get Crimson (2007)
Get Lucky (2009)

Bandas sonoras

Local Hero (1983)
Cal (1984)
Comfort & Joy (1984)
The Princess Bride (1987)
Last Exit To Brooklyn (1989)
Screenplaying (1993)
Wag The Dog (1998)
Metroland (1999)
A Shot At Glory (2002)

Joan Baez

2011-11-06T19:34:00.000+01:00

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Joan Baez

Joan Chandos Baez (Staten Island, Nueva York, Estados Unidos, 9 de enero de 1941), Joan Baez, cantante estadounidense de música folk, conocida como "La reina de la canción protesta". Caracterizada por una voz potente, aguda, próxima a la de una soprano, y con un vibrato controlado para potenciar la dramatización de las letras de las canciones, es la máxima figura de la canción protesta surgida en los años sesenta, al calor de la Guerra de Vietnam.Su repertorio, no obstante, abarca también lo puramente tradicional, el country y el pop-rock.

Hija de una profesora de literatura, prima del físico John Baez, e hija del conocido físico mexicano-estadounidense Albert Baez, co-inventor del microscopio de rayos X y autor de importantes libros de física. Su padre rechazó trabajar por convicciones personales en el desarrollo de la bomba atómica en el Proyecto Manhattan y más tarde rechazó trabajar en lucrativos puestos en la industria armamentística, hecho que influyó en la joven Joan. La familia Baez, muy religiosa, se convirtió al culto cuáquero durante la niñez de Joan.

Su carrera musical comienza en Boston, donde consiguió una gran repercusión con su actuación en el Newport Folk Festival de 1959, a los 18 años. Como resultado de ello, grabó su disco de debut en octubre de 1960, titulado sólo con su nombre para la compañía Vanguard. Compuesto por 13 canciones tradicionales, algunas de ellas baladas infantiles, sus versiones han resultado con el tiempo casi canónicas. Tuvo un éxito moderado, pero la edición de un segundo volumen de canciones en 1961 hizo recuperar para el gran público aquel primer disco, y ambos se convirtieron en grandes éxitos, como también lo sería su tercer disco: Joan Baez in Concert (1962).

Entre 1962 y 1964, Baez fue el rostro más popular de la música folk y de protesta, siendo la estrella de festivales y giras y cantando en actos políticos, entre los que se incluyen la Marcha sobre Washington de 1963 por los derechos civiles junto a Martin Luther King. Cantó en prisiones y como los afroamericanos no podían ir a los teatros de los blancos, Joan fue a cantar a sus teatros . Durante este periodo, empezó a estudiar el trabajo de Bob Dylan y, paulatinamente, su repertorio se desplazó del material tradicional al de tipo socialmente comprometido, en consonancia con la emergente generación de artistas de los años sesenta. Vivió con Bob Dylan entre 1963 y 1965 y juntos se ganaron el título del Rey y la Reina de la Canción protesta. Luchó en contra de la guerra de Vietnam y a favor de los derechos civiles.

Por negarse a pagar el 60% de los impuestos que ella consideraba se usaban en Vietnam, fue encarcelada varias veces y vigilada por el FBI durante décadas. También usaba una gran parte de lo que ganaba en apoyar a organizaciones por los derechos civiles y la no-violencia. Como otros intérpretes de folk, Baez se vio influenciada por la aparición de The Beatles en Estados Unidos y por el folk rock de Dylan. Como consecuencia de ello, aumentó su instrumental, que hasta el momento se basaba únicamente en su guitarra acústica, llegando a usar una orquesta entera en Joan (1967). Continuó experimentando a finales de los sesenta, como se comprueba en discos como Baptism (1968), en el que recita poesía, y en Any Day Now (1968), un doble disco de canciones de Bob Dylan con ambiente de country.

En marzo de 1968, Baez se casó con el líder antibelicista David Harris. De esa unión nació un hijo, Gabriel, que Joan tuvo sola porque Harris estaba en prisión por negarse a ir a la guerra. Mientras estaba embarazada participó del famoso Festival de Woodstock en 1969, que fue filmado y se convirtió en un suceso mundial.. Ese año graba el disco David´s Album, dedicado a su marido, y en 1970 One Day at a Timey The First Ten Years (recopilación de sus mejores temas). En 1971 graba en vivo un disco y film antibélico, Carry it on, en el que las canciones de Joan se intercalan con discursos pacifistas de Harris. Ese mismo año junto al músico Ennio Morricone compone la música y letra de la banda sonora de la película "Sacco y Vanzetti". Su tema Here´s to You (Esto es para Usted) se convirtió en un éxito mundial. Dado que Harris era aficionado al country, Joan regresó a este estilo en varios discos. Con su álbum de 1972 para A&M Records Come From the Shadows se aproximó al pop.

En diciembre de 1972 fue a Hanoi, Vietnam del Norte, en misión humanitaria llevando cartas y regalos a los prisioneros de guerra estadounidenses, y soportó lo que fue el peor bombardeo de toda la historia de la guerra. A su regreso a Estados Unidos dio una conferencia en Sanford titulada Under the Bombs (Bajo el bombardeo), Hanoi diciembre de 1972. La conferencia fue publicada y distribuida gratuitamente a todo el que la solicitara por el Institute for the Study of Non-Violence (Instituto para el Estudio de la No-Violencia) que ella había fundado en 1963, con apenas 22 años, en Palo Alto, California, siguiendo las enseñanzas de Mahatma Gandhi. La revista Rolling Stone anunció en su portada de febrero de 1973 una entrevista a Joan sobre su visita a Hanoi titulada: Joan Baez´Vist to Hanoi. En la portada salía Diana Ross. Ese mismo año Joan Baez graba "Where are you now, my son?", con grabaciones hechas en Hanoi en los refugios antiaéreos y en las calles después de los bombardeos, uno de sus discos más conmovedores.

Uniendo siempre su canto con la lucha por los derechos humanos, Joan graba el disco Gracias a la Vida en 1974, cantando en español en homenaje a las víctimas de Pinochet quien acababa de dar un sangriento golpe de estado en Chile. Realiza su primera gira latinoamericana en 1974 y aprovecha sus conferencias de prensa para denunciar la situación de Chile, difundir el trabajo de la organización de derechos humanos Amnistía Internacional (Amnesty International)de la cual ella formaba parte y la importancia de la lucha no-violenta. En Argentina realizó dos conciertos en el estadio Luna Park con llenos completos y le concede una entrevista a la famosa revista Crisis dirigida por el escritor uruguayo Eduardo Galeano.
Años más tarde crea Humanitas, organización internacional pro Derechos humanos que defendió a los vietnamitas que huían en frágiles botes del régimen comunista implantado en Vietnam al terminar la guerra. Humanitas publicó una lista con la firma de muchos intelectuales denunciando esa situación en varios diarios de Estados Unidos, lo que provocó que Joan Baez fuera atacada tanto por los partidos de izquierda como por los de derecha. Joan Baez soportó con estoicismo los ataques, que repercutieron en su carrera, y pocos años más tarde la misma gente que la había atacado salió a "denunciar" los horrores que se cometían en Vietnam.

En 1981 viajó a Latinoamérica en nombre de Humanitas, a darle su apoyo a los pueblos oprimidos por las dictaduras. En Argentina la dictadura puso bombas en el hotel donde ella estaba y la siguieron de día y de noche. En Brasil los militares le prohibieron cantar minutos antes de salir al escenario y con el teatro lleno. Entonces ella descubrió que un baño tenía una ventana que daba al teatro y desde allí dio su concierto. En Chile se reunió con las madres de los detenidos-desaparecidos, con víctimas de las dictaduras y se convirtió en su voz cuando regresó a Estados Unidos, presentado un informe en Washington. Su gira fue registrada en el documental There But For Fortune: Joan Baez in Latin America, estrenado por PBS (Public Broadcasting System). Desde entonces Joan no ha regresado a América Latina.
A finales de los sesenta y principios de los setenta, Baez se centró en el pop rock y empezó a escribir sus propias canciones, lo que culminó en el superventas Diamonds & Rust (1975), que fue seguido por el enteramente escrito por ella Gulf Winds (1976). Grabó varios discos para diversas compañías y, en 1993, Vanguard realizó Rare, Live & Classic, un triple disco de retrospectiva. Cantando en español, Joan Baez grabó dos versiones de "Gracias a la vida" de la chilena Violeta Parra, una como solista en 1974 en su disco "Gracias a la vida" y otra con la cantante folklórica argentina Mercedes Sosa, con la que realizó muchas giras por Europa y a la que la unía una gran amistad.
Ha escrito dos autobiografías: Daybreak (1968) y And a Voice to Sing With (1987). Y un libro que recoge todas las canciones escritas por ella: And then I Wrote 1979.

En 1976 se reencuentra en los escenarios con Bob Dylan, cuando éste la invita a sumarse a su gira. También actúa en la película "Renaldo y Clara", dirigida y actuada por Dylan. Algunos festivales en los que participó: Woodstock, Newport, Monterrey, Live10 .
En 2008 edita un nuevo disco Day After Tomorrow y en 2009 se estrena en el Festival de Cine de Toronto, Canadá., un documental sobre su vida titulado How Sweet The Sound.
Joan Baez fue la intérprete de "Rejoice in the sun", principal canción en la poco comprendida película (para la época), "Silent Running" o (en español) "Naves Misteriosas"., la que habla de la tremenda importancia de la protección al medio ambiente, en un futuro próximo, llevando "Biodomos" al espacio con los últimos bosques y fauna -al estilo Noético- existentes en La Tierra antes del desastre natural provocado por el hombre y su "civilización". Historia que fue escrita por Diane Lampert y Peter Schickele en 1972.

También participó de la famosa película Fame cantando en vivo Blowin in the wind y con la misma canción formó parte de la banda de sonido de otra famosa película: Forest Gump con Tom Hanks. Participó muchas veces en el Show de los Muppets (The Muppets Show).
En 1962, con apenas 21 años, fue portada de la revista Time. Dos veces fue portada de la revista Rolling Stone: en 1976 con Bob Dylan y en 1983.
Joan Baez ha recibido numerosos premios tanto como cantante como por su labor humanitaria.

Discografia

Joan Baez, 1960
Joan Baez, Vol. 2, 1961
Joan Baez in Concert, 1962
Joan Baez in Concert, 1963
Joan Baez/5, 1964
Farewell, Angelina,1965
Noël, 1966
Joan, 1967
Baptism: A Journey Through Our Time, 1968
Any Day Now (Songs of Bob Dylan), Vanguard 1968
David's Album, Vanguard 1969
One Day at a Time, Vanguard 1970
Carry It On (Soundtrack Album), 1971
Blessed Are..., 1971
Come from the Shadows, 1972
Where Are You Now, My Son?,1973
Gracias a la vida, 1974
Diamonds & Rust, 1975
From Every Stage, 1976
Gulf Winds, 1976
Blowin' Away, 1977
Honest Lullaby, 1979
Live -Europe '83, 1984
Recently, Gold Castle 1987
Diamonds & Rust in the Bullring, 1988
Speaking of Dreams, 1989
Play Me Backwards, 1992
Ring Them Bells, 1995
Gone from Danger, 1997
Dark Chords on a Big Guitar, 2003
Bowery Songs, 2005
Ring Them Bells (reissue double-disc with bonus tracks)2007
Day After Tomorrow, 2008

Dulce Neus

2011-10-19T00:44:00.000+02:00

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Dulce Neus

Dulce Neus ,es una banda proveniente de Castilla-La Mancha. Su música es una excitante combinación del rock más enérgico con elaboradas melodías; que forma la contraposición perfecta con la dulce y cálida voz de su cantante femenina; dando cuerpo a brillantes canciones con estribillos pegadizos. La formación de la banda se remonta a finales de 2004, cuando sus actuales integrantes se conocieron en una formación musical anterior, la Rolling Rock Band, banda que obtuvo gran repercusión en toda la región.

En 2007, cuando la banda todavía no había adoptado el nombre de Dulce Neus, se proclaman ganadores de la Muestra Provincial de Grupos organizado por la Diputación de Ciudad Real, hecho que les proporciona aun más prestigio en la provincia ciudarealeña y en Castilla - La Mancha.
En 2008 vuelven a alzarse como ganadores, por segundo año consecutivo en la Muestra de Grupos (hecho hasta el momento insólito), esta vez ya bautizados como Dulce Neus, multiplicando exponencialmente la repercusión del grupo en los medios especializados, entre el público y la crítica, siendo invitados a más de 80 conciertos a nivel nacional. A finales de 2008 fichan por una importante discográfica nacional, Music Plus ARP, grabando y lanzando al mercado su primer álbum de distribución nacional. "En Mi Piel", que es como se llama su primer disco, salió a la venta el pasado día 30 de Marzo de 2009.

El disco producido por Dani Skavia, ha sido mezclado y masterizado en los prestigiosos estudios Red Led de Madrid por el nominado a un Grammy, Joaquín Pizarro.(Pastora, La Oreja de Van Gogh, Pereza, El Canto Del Loco...) El álbum está compuesto por diez intensas canciones, que resumen perfectamente la esencia y el buen hacer del grupo, recibiendo inmejorables críticas de la prensa y medios especializados.
El primer single, "En Mi Piel",(homónimo al LP) anticipa de manera clara lo que podemos encontrar dentro del álbum. Cabe destacar las canciones "016", "Niña Combativa" o "A Tus Mentiras" donde se incorpora la perspectiva de género en favor de la igualdad y en contra de diferentes formas de discriminación contra las mujeres. Tras la salida al mercado de su primer disco Dulce Neus se ha consolidado dentro de la escena musical, demostrando nuevamente por qué es una de las bandas de referencia en Castilla-La Mancha, y gracias a "En Mi Piel", a nivel nacional.

La exitosa acogida del álbum en el mercado, ha llevado al grupo a ser radiados de forma continuada en distintas cadenas radiofónicas, como en Cadena Dial, Radio Surco, 40 Principales Ciudad Real, Cadena SER La Mancha, Onda Cero Ciudad Real, etc. además de la numerosa presencia de reseñas y criticas en la presa escrita y web. Este éxito se ha visto plasmado en las invitaciones que ha recibido el grupo a los distintos eventos promociónales que realizan las radios anteriormente citadas, como por ejemplo en el "Concierto Dial" junto a Beatriz Luengo en Socuellamos (CR)promovido por Cadena DIAL La Mancha, y en los "Escenarios de Verano" de 40 Principales que se celebraran en Miguelturra (CR) junto al músico argentino Coti y en Valdepeñas (CR) con el grupo Melocos además de las numerosas fechas donde compartieron cartel con grupos tan conocidos como BARRICADA, CAJA DE PANDORA, MOJINOS ESCOCIOS, M-CLAM, LA GUARDIA, MAGO DE OZ, etc.

Cabe destacar como reseña mas importante del grupo en el año 2009, la consecución del galardón "Corazón de la Mancha" otorgado por la cadena radiofónica Onda Cero La Mancha, en la modalidad de "Mayor Proyección Artística". En el año 2010 comienza con la grabación en Valencia en los Estudios Fireworks, de EP "Hotel 4 Estrellas" así como la grabación del video clip de su single "Un buen día", que se ha podido ver en diferentes televisiones nacionales y regionales: Sol Música, Castilla la mancha televisón, Mancha Centro, Imas televisión, Surco televisión, etc,. El Ep cuenta con el single "Un buen día" que ha alcanzado los primeros puestos en diferente cadena radiofónicas: Radio Surco, Cadena Dial, Ser la Mancha, Radio Enlace, Rock`n`Gol,.

El Ep se presentó en la Sala Boite de Madrid se realizó una gira por salas para la promoción del mismo realizando conciertos por todo el territorio nacional: Valencia, Barcelona, Sevilla, Zaragoza, Murcia, Alcázar de san Juan..Recibiendo númerosas criticas favorables de prensa especializada, revistas y webs: Heavy Rock, Metal Hammer, Rock estatal, Sol de Acero, Solo Rock, maneras de vivir, Rockcultura,.
En Julio el grupo una entrevista y concierto en acústico en el programa de prime time, Carrusel de Verano, de Cadena Ser, dirigido por Alberto Granados para todo el territorio nacional A lo largo de este año el grupo también se participa en diferentes festivales: Jardinerock, Alcalá de Henares, Quintanar de la Orden, Ayudanos Carajo, Puebla de Montalbán,..

La repercusión del grupo va creciendo y se realizan varias entrevistas en radios y medios especializados así como en televisión, realizando Joven Tv, un reportaje sobre el grupo. En Noviembre el grupo recibió un premio por parte de la Junta de Comunidades, y el Instituto de la mujer de Castilla la Mancha por su implicación en la lucha contra la violencia de género, participando en el Acto Institucional presidido por D. Jose Maria Barreda, presidente de la Junta de Castilla la Mancha. En dicho acto se realizó en directo una actuación en acústico del tema "las Olvidadas".

En Enero de 2011, se entró a grabar el segundo disco del grupo "Malabaristas del corazón", en los estudios New Life de Madrid, bajo la producción de Jose Garrido (Medina Azahara, Saratoga, San Telmo, etc,..) y masterizado en Finlandia en los estudios Finnvox, por Mika Jussila (Anouk, Roxette, Garaje jack, Barricada,.). El disco contará con distribución nacional y digital (atunes, Amazon, Spotify,.) por Gaser Discos y Rockcultura producciones. El disco se presenta el 12 de febrero en la Sala Caracol, de Madrid dando comienzo a una gira promocional por toda la península: Madrid, Sevilla, Zaragoza, Valencia, Vigo, Almería, Granada, Ciudad Real, Toledo.

Discografia

En mi piel (2009)

EP Hotel (2010)

Malabaristas del corazón (2011)

Dave Sharp

2011-10-19T00:23:00.000+02:00

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Dave Sharp

Dave Sharp (28 de enero de 1959, Kersal , Salford , Lancashire ) es un guitarrista Inglés cofundador, junto con Mike Peters , the Welsh punk rock band The Alarm.
Sharp comenzó a tocar con la banda Seventeen en la década de 1970 e hizo su debut discográfico en su "no lo dejes ir" / "Fin de semana festivo" único . Después de que Seventeen se disolviera en 1980, la banda paso a llamarse The Alarm, grabaron discos de éxito como"68 Guns" y "The Spirit of '76".

En 1991, Sharp grabo su primer álbum en solitario , Hard Travellin producido por Bob Johnston . Después de giras en el Reino Unido y América del Norte, se mudó a los Estados Unidos, haciendo giras y la grabaciones con artistas como Johnny Cash , Larry Crane ,Dave Grissolm (The John Cougar Mellencamp band), Willie Nelson , George Porter (The Neville Brothers), Chris Solberg ( Santana ), and Stiff Little Fingers .
En 1996, grabó el álbum Downtown America . Sharp se trasladó a Nueva Orleans haciendo apariciones regulares en the Kerry Irish pub en Decatur Street ..
En 2002, Sharp regresó al Reino Unido, donde tocó The Cavern Club , The Underworld and King Tut's.. Mientras formó la banda The Soul Company con, Keith Ashcroft al bajo( Chris Farlowe ), de 10cc el baterista Paul Burgess , de Dr. Feelgood el guitarrista Witham Mo y el guitarrista Jim Holmes.

Hacia finales de 2007 Sharp, después de haber pasado la mayor parte de su tiempo tocando en solitario, estaba preparado para formar na nueva banda. se puso en contacto con Henry McCullough y, después de unos días juntos en Irlanda, la base de The Hard Travelers se formó. El concepto de música que tenia la banda era la intención de llevar las canciones de Woody Guthrie a un nuevo público.
Su debut fue un concierto, después de una sesión de grabación, el 22 de enero de 2008 en Portsmouth at The Cellars.. Los siguientes conciertos tuvieron que ser pospuestos por un tiempo debido a diversas dificultades y la siguiente actuación fue en The Black Horse Festival, en Hastings , donde fueron cabeza de cartel el 24 de mayo de 2008.

En abril de 2008 de Sharp lanzó su propia versión The Alarm, AOR - Spirit of The Alarm , para mostrar la lista de canciones de la banda estadounidense de finales de 1980. Junto con el siempre músicos del NordOeste como Wayne Parry, Dave Black, Tom Szakaly y Si Smith, AOR tocó en su concierto debut Glasgow Rockers el 18 abril, más tarde apoyando a The Damned en Heywood Civic Centre en apoyo de la Fundación Sophie Lancaster el 26 noviembre 2008..
Dave Sharp actualmente recorre el Reino Unido, con visitas regulares a Escocia y Gales.

Discografia

Como Dave Sharp

HARD TRAVELLIN' 1991
DOWNTOWN AMERICA 1996
HIDING IN PLAIN SIGHT 1998
HARD TRAVELIN' 2000
THE SUMMER OF LOVE 2002 PART 1
THE SUMMER OF LOVE 2002 PART 2
TIME TRAVLIN' DEMOS 1996-1998 / 2003
TIME TRAVLIN' DEMOS 1999-2002 / 2003

Como Dave Sharp & The Hard Travellers

ONE STEP CLOSER TO GOD'S COUNTRY 2001

Como Soul Company

THE POWER OF SOUL (LIVE+) 2004
THE POWER OF SOUL (RADIO EDIT) 2005

Varios

SUPER SNAX '96 1996
TAKE A LOOK AT THE PUNKS 2006

Ben l'Oncle Soul

2011-10-18T21:52:00.002+02:00

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Ben l'Oncle Soul

Después de graduarse en Bellas Artes y un CAPES de artes plasticas , comenzó una carrera como cantante profesional en 2004 en un grupo de gospel llamado Fitiavana Touraine. Compuso sus primeras canciones con Emadé, y Lesieur Gabin (su compañero en el disco y en el escenario). Sus primeras canciones son escuchadas en Myspace en el 2006.

Descubierto por Laure Milan, que le dio su primera parte en La Cigale,y a continuación, en el Olympia. En este periodo conoció a Jérémie Charbonnel y Chloé Artus, que se convertirán en sus managers.
Firmó con label Motown France y ha adquirido una cierta notoriedad con la version de Seven Nation Army de White Stripes
En 2009 sale su primer maxi , Soul Wash , que incluye seis títulos, todas versiones como, Seven Nation Army .

Esto presagia un futuro, teniendo en cuenta que en la cubierta decía: " Lección 1 ".
Ben, continúa en paralelo a darse a conocer mediante la realización de la primera parte de Musiq Soulchild, India Arie o Dwele.
Su primer álbum, Ben l'Oncle Soul , fue lanzado el 17 de mayo de 2010 . Hay catorce títulos en Inglés y Francés, con un registro Soul de la década de los 60, típico sonido de la Motown con un vibrato a lo Stevie Wonder. El álbum compuesto principalmente por Ben y Gabin Lesieur.
Llevado a cabo por Gabin Lesieur y Guillaume Poncelet. La mayoría de los textos en Francés están escritos en colaboración con Freddy y en Ingles con Beat Assailant. Las fotos y los gráficos son de Dimitri Simon.

La canción Soulman suena como la exitosa My Girl de Temptations. Por otra parte, durante sus conciertos, Ben, cantantes y músicos, bailan al estilo de las coreografías de Temptations.
El 03 de octubre 2011, sale su último disco en vivo, titulado Live Paris grabado en el Zenith de París el 10 y 11 de mayo de 2011.

Discografia

Soul Wash Lesson One
Seven Nation Army (The White Stripes)
Crazy (Gnarls Barkley)
Barbie Girl (Aqua)
Sympathique (Pink Martini)
I Kissed a Girl (Katy Perry)
Say You'll Be There (The Spice Girls)

Ben l'Oncle Soul
Seven Nation Army (single)
Soulman (single)
Petite Sœur (single)
Mon amour
Elle me dit (single)
I Don't Wanna Waste
Come Home
L'Ombre d'un homme
Ain't Off to the Back
Lise !
Demain j'arrête
Partir
Lose It
Back for You

Live Paris
Intro Cold Sweat
Soulman
Petite Soeur
Elle Me Dit
Come Home
Crazy (Gnarls Barkley)
Try A Little Tenderness / Lise
Seven Nation Army (The White Stripes)
L'Ombre D'Un Homme
Back For You
Ain't Off To The Back / Spy feat Beat Assaillant
Lose It / Smile feat 20syl (Hocus Pocus (groupe))
Mon Amour

DVD
Intro Cold Sweat
Soulman
Petite Soeur
Fa Fa Fa Sad Song (Otis Redding)
Elle Me Dit
Come Home
Crazy (Gnarls Barkley)
J' T'aime - Freddy
Try A Little Tenderness / Lise
Seven Nation Army (The White Stripes)
L'Ombre D'Un Homme
I Got A Woman (Ray Charles)
Back For You
Ain't Off To The Back / Spy feat Beat Assaillant
Mess Around Interprété par Opé Smith (Ray Charles)
Superstition Interprété par Ulrich Kwasi (Stevie Wonder)
Lose It / Smile feat 20syl (Hocus Pocus (groupe))
Mon Amour
Stir It Up (Bob Marley)
Soulman Final
Outro Move on up (Curtis Mayfield)

Emily Bear

2011-10-17T22:01:00.000+02:00

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Emily Bear

Emily Bear es un compositora y pianista estadounidense, nacida 30 de agosto 2001 en Rockford (Illinois) .
A 1 año de edad , ya era capaz de cantar canciones de cuna en un ritmo perfecto. A los 2 años, su abuela vio en ella un talento especial para el piano, entonces se matricula en el Instituto de Música de Chicago. Ni siquiera con 4 años de edad, empezó a estudiar música clásica en el campus de Winnetka (Illinois).

Comenzó a componer su propia música a la edad de 3 años. Y a los 8 años, ya había compuesto más de 350 canciones, algunas piezas de jazz. Con su pìeza Northern Lights , recibió un premio de la ASCAP para compositores menores de 18 años . También ganó un Rockford Area Music Industry Award (RAMI) unos meses antes .

Bear ha aparecido varias veces en el talk show The Ellen DeGeneres Show , e incluso ha compuesto una canción para la boda de la presentadora Ellen DeGeneres , interpretó en la Casa Blanca para el presidente George W. Bush cuando ella tenía 6 años y toco todo un concierto de Mozart de memorian con la Champaign-Urbana Symphony Orchestra.

Discografia

Five Years Wise (2007)
The Love In Us (2008)
Once Upon A Wish (2008)
Always True (2009)
Hope (2010)

The Tragic Company

2011-10-17T18:20:00.002+02:00

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The Tragic Company

Es un grupo de rock alternativo nacido del talento y dedicación de 4 músicos de Estepona. Sus influencias van desde el hard rock y el grunge al rock clásico y noventero británico. La mezcla de sutileza y emotividad con momentos de máxima agresividad rítmica les ha servido para inciar una carrera musical muy prometedora.

El primer trabajo oficial, aunque aún sin banda, y concebido por Juanma Medina se llamó The Tragic EP. Luego Frasco, Kero y Andrés se unieron al proyecto y el EP Forever tomó forma. El álbum de su debut, titulado Bass, Middle, Treble, en él, 9 cortes que van desde el más desgarrado hard rock hasta el pop más elegante, revolotean alrededor de la pieza central: The Story of a Greedy Bellboy, una mini ópera rock que habla sobre el amor y la avaricia humanas. También han resultado ganadores del CostaPop Express 2009, organizado por Los 40 Principales Málaga y de 1+1 Fusión Cultural, certamen financiado por la Universidad de Málaga y apadrinado por Javier Ojeda.

The Tragic Company cuenta con unas variadas influencias musicales, la mayoría anglosajonas: desde The Who, The Black Crowes y Led Zeppelin hasta Pearl Jam y Oasis. Lo que tampoco puede negarse es el sonido independiente y auténtico de formaciones como Sexy Sadie, The Sunday Drivers o The Unfinished Simpathy. Pero The Tragic Company aporta una bocanada de aire fresco y talento, apoyada por enormes riffs, fuerte presencia de batería y bajo, y una voz rasgada, seductora y apasionada.

Componentes

Andrés Gallego (batería)
Miguel Retamar 'Kero' (bajo)
Francisco Gil 'Frasco' (guitarra solista)
Juanma Medina (voz y guitarra)

Discografia

Bass, Middle, Treble
1 Part of You
2 Out of My Way
3 Forever
4 First Hymn
5 The Story of a Greedy Bellboy
6 Every Moment
7 Molly
8 When I Close My Eyes
9 Save Yourself

Juan Bau

2011-10-16T19:58:00.001+02:00

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Juan Bau

Juan Bau (Aldaya, Valencia, 24 de diciembre de 1948) es el nombre artístico de Juan Bautista Conca Moya, cantante español de música ligera.

Se inicia en el mundo de la música de manera amateur en los grupos Los Pikens y posteriormente en Modificación. En 1971 debuta profesionalmente en solitario con el nombre de Juan Bau y graba su primer disco sencillo con las canciones "Pequeñas cosas" y "Dentro de mi alma", de su autoría, en 1972 edita el segundo sencillo con "Tú no comprendes" y "Sigue tu camino". En 1973 llega su gran éxito con el tema "La estrella de David".

En 1974 consigue su primer disco de oro con el álbum Penas. Otras de sus canciones son "Mi corazón", de 1974, "Natacha y yo", 1975 y "Fantasía" en 1976. En los años 80 canta temas como "Un paso más", "Acaríciame", "Hoy me llamará", "Devuélveme el amor", "Soñaré", "Me gusta así", "Dama del amanecer" o "Libérate".

Después de unos años sin grabaciones discográficas edita en 1986 el disco Corazonada al que siguió el CD Alma romántica y, ya en el año 1999, Nuestras canciones en el que versionaba canciones éxitos de Mocedades, Manuel Alejandro, Sergio y Estíbaliz o José Luis Perales. En 2003 se edita el disco Volverte a ver. En el 2004 lanza el disco titulado "30 Años de Éxitos" y en el 2009 lanzá la recopilación "Super Éxitos de Juan Bau".

Discografia

Álbumes
La Estrella de David (1972)
Mi Corazón (1974)
Penas (1974)
Fantasía (1976)
Grandes Éxitos de Juan Bau (1976)
Juan Bau-5 (1977)
Con mis 5 sentidos (1978)
Soñare (1979)
Con las Luces Apagadas
A que jugamos Hoy (1983)
Corazonada (1986)
Lluvia de Estrellas (1987)

CD'S
La Misa del Tercer Milenio (1995)
Alma Romántica (1996)
Nuestras Canciones (1999)
Volverte a Ver (2003)
30 Años de Éxitos (2004)
Super Éxitos de Juan Bau (2009)

Sabor de Gracia

2011-10-14T18:06:00.000+02:00

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Sabor de Gracia

Grupo de Rumba Catalana que formo un gitano del barrio barcelonés de Gracia, Antonio Carbonell "Sicus", en 1994.

Actualmente Sabor de Gracia, es un grupo consolidado dentro del mundo de la rumba catalana gracias a su trayectoria y a los trabajos discográficos publicados,"Tots els colors","El Mundo Baila" y "La Cançó amb Rumba", donde realizaron un homenaje a la nueva canción obteniendo grandes resultados tanto a nivel de venta de discos como de conciertos, llegando a más de 40 actuaciones en España y extranjero.

Pudieron participar como artistas y como banda acompañando a todos los artistas participantes en la Película el Gran Gato, de Ventura Pons (2002), de ahí hasta el momento actual Sabor de Gracia ha particpado en diferentes Telemovies y Películas hasta el punto de ser nominados a los premios Goya 2008 como mejor Canción Original "Podemos Volar Juntos" de la Película "El Patio de mi Cárcel".

Sabor de Gracia, aparte de España ha realizado giras por diversos países , EE.UU, Venezuela, Puerto Rico , Argentina, Francia, Inglaterra, Hungría, Austria, Alemania, han podido bailar y Rumbear a ritmo de la Rumba Gitana Catalana de Sabor de Gracia.
Sabor de Gracia fueron los creadores y productores musicales de Patriarcas de la Rumba.

Discografia

4 CANCIONES DE HAMBRE Y ESPERANZA(2009)
CANCION DE UN NIÑO EN LA CALLE (L’Indi 2009) Distribueix MANGO
RUMBA EN CATALA (DISCMEDI 2009)
MUSIQUETES PER LA BRESSOLA (2009)
LA RUMBA DE BARCELONA (REVISTA TIME OUT 2008)
SABOR LATINO 2 ( Sabor Discos 2007)
EL COR NO AVISA (El Disc de la Marató de TV3,2007)
LA RUMBA DEL CARNAVAL ( Ajuntament de Barcelona 2006)
Tribut a SOPA DE CABRA “Podre Tornar Enrere” Musica Global 2006
Per el Meu AMIC SERRAT (Discmedi 2006)
TRIBUTO A LOS AMAYA (RTVE, EL DIABLO 2005)
BARÇATRONICS (K Indusrtria 2005)
EL MUNDO BAILA (2004)
EL GRAN GATO (2002)
LA RUMBA DEL CARNAVAL (2002)
LA CANÇO AMB RUMBA
PASSAPORT DE LA MUSICA (1999)
JUEGO DE LOCOS (1999)
TOTS ELS COLORS (1996)

William Sheller

2011-10-06T00:17:00.001+02:00

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William Sheller

William Hand , nació el 9 de julio de 1946 en París. A los 3 años, su familia decide probar suerte en los Estados Unidos y se establecieron en un pequeño pueblo de Ohio .De muy joven, William se codea con los más grandes músicos de jazz, amigos de sus padres. Le obligan a escuchar sentado, quieto y en silencio para no molestarlos, lo que le dejó después, una alergia profunda y permanente para el jazz .

A la edad de siete años, William regresó definitivamente a Francia. Recibe todo el apoyo de la familia de su madre,que trabajan en el teatro. Su abuela, trabajaba en el Teatro des Champs-Elysees y su abuelo, jefe de diseño de la Opera Garnier , permitiendole asistir a cientos de espectaculos, en sala y detrás del escenatio. A los diez años, William ya ha decidido su destino: él quiere ser "un pequeño Beethoven o nada" . Sus padres le aprueban su proyecto sin restricciones, diciendo: "tenia que terminar así" .

El aprendiz compositor se inicia primero con el piano para proporcionar apoyo a sus composiciones, y encuentra un maestro en la persona de Yves Margat, antiguo discípulo de Gabriel Fauré . Esto le enseña no sólo el piano y composición, sino también latín, filosofía, historia, literatura, etc ... Cuando esta haciendo 2º curso, William deja de la escuela para completar su educación musical. Lanzado ya en la composición de la música serial ,"lo que le molesta profundamente", se está preparando muy seriamente para los Prix de Rome.

Sin embargo, The Beatles vienen sin querer a influir en el camino trazado: un día en que el piano, se lo llevaron para su reparación, William va a ensayar con un amigo que le hace escuchar música "moderna". Se va con los discos, y unas horas más tarde, lo dejó todo por el Rock. Para desesperación de su maestro, quien le dijo "Pero con el bagaje que tiene, no ira a hacer el payaso" . William se unió al grupo Worst , una banda de rock en Niza que se especializa en conciertos con caches miserables.

Discografia

Älbumes
1975 : Rock'n'dollars
1976 : Dans un vieux rock'n'roll
1977 : Symphoman
1980 : Nicolas
1981 : J'suis pas bien
1984 : Simplement
1987 : Univers
1989 : Ailleurs
1994 : Albion
2000 : Les machines absurdes
2004 : Épures
2008 : Avatars
En Vivo
1982 : Olympia 82
1984 : William Sheller et le quatuor Halvenalf
1991 : Sheller en solitaire
1995 : Olympiade
2001 : Live au Théâtre des Champs-Élysées
2005 : Parade au Cirque Royal
2007 : William Sheller et le quatuor Stevens live
2010 : Piano en ville

Michel Jonasz

2011-10-05T23:24:00.001+02:00

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Michel Jonasz

Michel Jonasz es un compositor , cantante y actor francés , nacido 21 enero 1947 a Drancy .Compositor de La Boîte de jazz , Joueurs de blues, Les Vacances au bord de la mer (letra de Pedro Grosz). Su titulo fetiche es Súper Nana (de Jean-Claude Vannier ).

Nacido de padres inmigrantes húngaros Judios, Michel Jonasz dejó la escuela a la edad de 15 años y busca su camino en las artes. Pintura, el teatro y la música le interesan, pero finalmente , se decanta por el piano. Después de sus comienzos a los teclados, con el grupo de Vigón , Les Lemons, fundó el grupo en 1966 King Set, con su amigo Alain Goldstein a la guitarra. Dos éxitos en la radio dan a conocer su voz y su sentido del ritmo: una composición original, Apesanteur , en 1967, y el estándar de Jezebel en 1968.
Su carrera en solitario comenzó lentamente a finales de 1968 con un 45 rpm publicado bajo el nombre de Michel Kingset, los siguientes bajo su propio nombre en 1970.

1974 tiene que esperar para encontrar un público más amplio con dos exitos a la vez: Dites-moi y Super Nana.
Desde entonces, encadena éxitos como Je voulais te dire que je t'attends (escrita con Peter Grosz), J'veux pas que tu t'en ailles (escrita y compuesta por Jonasz), Lucille , Lucille, La Boîte de Jazz y La Fabuleuse histoire de Mister Swing. Compuso el generico de Zone Interdite para el canal M6 . así como el genérico como "cinema cinema" en Canal +
También es actor de cine (Qu'est-ce qui fait courir David ?, Tir à vue, La Doublure) y televisión (Un amour à taire, donde interpreta a un Pétainista padre de un homosexual durante la Segunda Guerra Mundial ).

Discografia

1972 : Rencontre
1974 : Super nana
1975 : Changez tout
1977 : Michel Jonasz
1978 : Guigui
1979 : Les années 80 commencent
1981 : La Nouvelle Vie
1983 : Tristesse
1985 : Unis vers l'uni
1987 : La Fabuleuse Histoire de Mister Swing
1988 : Les Fabuleux Moments de Mister Swing
1992 : Où est la source ?
1993 : Michel Jonasz au Zénith
1996 : Soul Music Airlines
2000 : Pôle Ouest
2002 : Où vont les rêves ?
2005 : Michel Jonasz
2007 : Chanson française
2009 : Abraham
2009 : Jonasz trio
2011 : Les hommes sont toujours des enfants

En Directo

1977 : Michel Jonasz au Théâtre de la Ville
1986 : Michel Jonasz en concert au Palais des Sports
1993 : Michel Jonasz au Zénith
2001 : Michel Jonasz Olympia 2000
2009 : " Michel Jonasz trio"

Tommy Emmanuel

2011-10-04T21:55:00.000+02:00

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Tommy Emmanuel

Tommy Emmanuel (nacido el 31 de mayo de 1955) es un guitarrista australiano, famoso por su estilo fingerpicking. A través de su carrera, ha tocado con muchos artistas notables incluyendo: Chet Atkins, Eric Clapton, George Martin y John Denver.
Cuando Tommy toca la guitarra, parece que sean dos guitarristas a la vez, sin embargo, es el estilo característico de su sonido: mientras mantiene una línea de bajos con su pulgar (normalmente ésta es su forma de tocar: usando una púa de pulgar) toca la melodía con sus dedos índice, corazón y anular.

Tommy nació en la ciudad de Muswellbrook, New South Wales. Comenzó a tocar la guitarra a la edad de 4 años, y a los 5, era ya músico profesional, y pasó su niñez viajando por Australia con el grupo musical de su familia, tocando la guitarra rítmica.
En 1966 cuando su padre murió, comenzó a dar lecciones de guitarra a la edad de 12 años. Primero destacó nacionalmente, cuando ganó una serie de concurso en sus años de adolescencia, y a finales de los años 1970, tocaba con su hermano Phil en el grupo Goldrush. A principios de los años 80, reunió la banda reformada de Dragón, uno de los grupos principales de rock de los años 70, viajando extensamente con ellos, incluyendo un viaje en 1987 con Tina Turner, antes de irse a emprender su carrera en solitario.

Tommy a pesar de no tener conocimientos musicales académicos, su sentido musical natural y la capacidad de tocar prodigiosamente, le ha hecho ganar miles de seguidores por todo el mundo. Igual que es un mago de la guitarra, también es un percusionista profesional, sirviéndose del cuerpo de la guitarra.
En julio de 1999, en la 15th Annual Chet Atkins Appreciation Society Convention, Chet presentó a Tommy con el grado certificado honorario de músico de la guitarra, un honor concedido solamente a dos guitarristas más (uno, Atkins mismo) - “en el reconocimiento de sus contribuciones al arte de Fingerpicking”.

Uno de los momentos estelares de su carrera, fue su actuación en vivo en Sydney donde participó en la ceremonia de cierre de las Olimpiadas de verano en el 2000. Mil millones de personas contemplaron este acontecimiento en todo el mundo.
Emmanuel es un Cristiano convertido desde su recuperación, hace dos décadas, del abuso de las drogas.
Tommy lanzó el DVD "Live At Her Majesty's Theatre, Ballarat, Australia" el 11 de julio de 2006. El último álbum de Tommy, “Tommy Emmanuel Essentials”, fue lanzado en 2010.Su canción “Gameshow Rag/Cannonball Rag” estuvo nominada a un Grammy para “Best Country Instrumental Performancel” en la 49ª edición. La canción es del CD “The Mystery”.

Discografia

2010 Tommy Emmanuel Essentials
2010 Little by Little
2009 Just Between Frets
2008 Center Stage
2006 The Mystery
2006 Happy Hour
2005 Live One
2004 Endless Road
2001 Greatest Hits
2000 Only
1998 Collaboration
1997 The Day Finger Pickers Took Over The World (With Chet Atkins)
1997 Midnight Drive
1996 Can't Get Enough
1995 Classical Gas
1995 Initiation
1994 Back On Terra Firma
1993 The Journey Continues
1993 The Journey
1992 Determination
1990 Dare To Be Different
1987 Up From Down Under
1979 From Out Of Nowhere

2011-10-03T21:09:00.000+02:00

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Sau

Sau fue uno de los grupos pioneros del rock catalán, y uno de los más exitosos del movimiento. Sus principales componentes eran Carles Sabater, cantante, y Pep Sala, que tocaba la guitarra y, en ocasiones, los teclados. El grupo se formó el 1987 y duró hasta el 1999, año de la muerte de Carles Sabater.
Pep Sala era el compositor de las canciones, y las letras las hacía junto con Carles Sabater y, en los primeros discos, también con Joan Capdevila, mánager del grupo.

Tras su formación en 1986, el grupo decide llamarse Sau debido a que este era el lugar donde ensayaban habitualmente. En 1987 consiguen grabar su primer disco, titulado No puc deixar de fumar, a medio camino entre el pop y el rock, y con mucho predominio de teclados. Tras la gira de presentación de dicho disco, en 1989 publican su segundo disco, Per la porta de servei, en el que el grupo ya empieza a asentar sus bases y a definir su música con más claridad.

Es en 1990 cuando Sau alcanzan el reconocimiento masivo gracias a su disco Quina Nit, publicado en ese año y que contiene su mayor éxito hasta la fecha: Boig per tu. De la gira del disco se hacen más de 100 conciertos, y tras acabar dicha gira ya en 1991, el grupo publica un doble disco titulado El més gran dels pecadors, con un éxito rotundo y llegando al disco de oro por las 50.000 copias vendidas en poco tiempo. 1992 es un gran año para el grupo, y en el cual llegan a tocar en la Plaza de toros Monumental de Barcelona, con lleno absoluto y de cuyo concierto se publica un doble disco en directo titulado Concert de Mitjanit, con colaboraciones de Phil Manzanera, Robbie Robertson, Rebeldes y Luz Casal.

1993 supone un año sabático para el grupo y en el cual Carles Sabater se centra en su profesión de actor, mientras que Pep Sala publica su primer disco en solitario bajo el nombre Pep Sala & la Banda del Bar. 1994 supone el regreso a los escenarios de Sau y la publicación de un nuevo disco titulado Junts de nou per primer cop. Al año siguiente realizan una gira por teatros tocando temas acústicos y publican un disco de rarezas bajo el nombre de Cançons perdudes, rareses, remescles.
En 1996 vuelven a la actividad habitual publicando un nuevo disco titulado Set y del cual hacen una amplia gira por todo el territorio catalán bajo el nombre Set de gira, para culminar en Diciembre de ese mismo año en un concierto de despedida en el Palau d'Esports de Barcelona.

En ese mismo mes publican un disco acústico grabado durante la gira de teatros que habían hecho el año anterior, disco que se tituló Bàsic. En 1997 vuelven a tomarse un año sabático similar a 1993, con Sala publicando un disco en solitario y Sabater centrado en su profesión de actor.
En 1998 vuelven a la escena con un nuevo disco titulado Amb la lluna a l'esquena, el cual les lleva a girar todo el año presentando dicho disco. Tras dicha gira, y ya en 1999, el grupo decide empezar una gira para celebrar sus 12 años juntos, una gira bajo el título XII, que empezaba el 12 de febrero en Vilafranca del Penedés y que supuso el final del grupo debido a que Carles, tras el concierto, y ya en los camerinos se desmayó para posteriormente fallecer mientras iban de camino al hospital.

Discografia

No puc deixar de fumar (1987)
Per la porta de servei (1989)
Quina nit (1990)
El més gran dels pecadors (1991)
Concert de mitjanit (1992, directo)
Els singles (1992)
Junts de nou per primer cop (1994)
Cançons perdudes, rareses, remescles (1995, recopilatorio)
Set (1996)
Bàsic (1997, directo acústico)
Amb la lluna a l'esquena (1998)

Las Migas

2011-10-02T23:20:00.000+02:00

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Las Migas

Las Migas son Marta Robles, Isabelle Laudenbach, Lisa Bause y Sílvia Pérez Cruz, dos guitarras, violín, cajón y voz que ofrecen un flamenco fresco y dulce con rigor y emoción.

Se acercan al flamenco desde la tradición y desde esas raíces crecen sumándole diferentes perspectivas musicales, tan diversas como la procedencia de cada una de sus componentes: Berlín, la Bretaña francesa, Sevilla y Palafrugell, (Girona). Este cruce de caminos tiene lugar en Barcelona, desde donde crean este universo musical singular y vital con sonoridades de música clásica, fado, tango, jazz, habaneras y músicas del este, que colorean el flamenco. Su repertorio bebe de fuentes propias y de la poesía de Lorca, Alberti, y nuevos artistas como Javier Galiana y Antonio Romera ‘Chipirón’, ambos gaditanos.

En sus cinco años de trayectoria han recorrido prácticamente todos los escenarios catalanes y han girado por Italia (en la Notte Bianca de Roma fueron teloneras de El Bicho), Croacia, Holanda, Hungría, Bulgaria (Jazzplus Festival, donde compartieron escenario con Gerardo Núñez), Francia y Túnez.

Entre los diversos proyectos en los que han participado, destacan su colaboración en el disco benéfico de La Marató, de la televisión autonómica TV3 y la composición de la banda sonora original de la obra Unas voces, dirigida por Marta Angelat, que se estrenó en Madrid la primavera pasada en el Teatro Español. Una de las canciones ha sonado en dos capítulos de la serie Infidels, que emite TV3.

Discografia

Reinas del Matute 2010

Componentes

Silvia Pérez Cruz: cajón, cante
Isabelle Laudenbach: guitarra
Lisa Bause: violín y acordeón
Marta Robles Crespo: guitarra